Christophe Demaître: ‘I create my own universe with stairs’
After years abroad, Christophe Demaître returned to Belgium. In his open studio in the Marolles he shows his art, which is influenced by the places where he lived.
Un jeune platane en pot placé devant la galerie fait office d’introduction à l’exposition de rentrée chez ifa gallery. A l’intérieur, une démarche complexe croise plusieurs médias : photographie, objets et vidéo se mêlent et s’inscrivent tantôt dans un débat d’ordre sociétal, tantôt dans un discours personnel et plus intime. Une exposition engagée et symbolique sur les répercussions du développement urbain et de cet idéal de mondialisation qui nous a longtemps bercés, conjugué à un questionnement sur le rôle de la photo elle-même. Une exposition de l’artiste Zane Mellupe, remarquable à bien des égards.
Nous avions déjà parlé deZane Mellupe en 2016 lors de sa première exposition bruxelloise. Artiste et sinologue née en 1981 en Lettonie, elle s’intéresse à la photographie depuis l’âge de quatorze ans. Elle s’installe en Chine en 2001, intègre l’Académie de Théâtre ainsi que l’Université de Shanghai, où elle étudie la langue et la littérature chinoises et dont elle sort diplômée en 2004. La jeune photographe poursuit ses études au Royaume-Uni, à l’Université des Arts de Londres, effectue un master en photojournalisme et en photographie documentaire. Elle vit et travaille désormais à Shanghai. Commissaire d’exposition et Directrice artistique du Island6 Arts Center de Shanghai, elle est fondatrice du Yongkang Lu Art, une communauté de street art dans cette ville ainsi que de WhyWhyArt.
Alors que les plus récentes recherches scientifiques portent sur les arbres, un nouveau regard qui leur reconnaît une sensibilité particulière, Zane Mellupe tisse un lien fort et intime avec un protagoniste du monde vivant qui nous est bien familier, le platanus acerifolia, un platane hybride largement implanté dans de nombreuses métropoles à travers le monde. Arbre urbain par excellence, il possède des qualités exceptionnelles, résistant à des taux de pollution élevés, et autant à la sècheresse qu’à l’excès d’eau. Arbre d’ornement de nos belles avenues et personnage omniprésent dans les parcs et les cours d’école, ses feuilles et ses branches déploient une ombre généreuse. Ce platane est malheureusement atteint d’une maladie venant des sycamores américains sans guérison possible. A une époque où les échanges, la liberté d’un marché global et l’interactivité sont les atouts charmeurs d’un contrôle puissant et d’une mondialisation trop axée sur les intérêts économiques, les droits de l’homme sont bafoués et le monde végétal va mal.
L’artiste nous plonge dans une symbolique sensible et originale. Elle déroule plusieurs fils narratifs en mettant en avant l’histoire de cet arbre tour à tour constat documentaire, témoignage artistique et vivant plaidoyer imprégné d’aujourd’hui et du monde tel qu’il va, de devenirs qui s’esquissent. Derrière le platane, le corps devient prolongement naturel du végétal, ou bien est-ce le contraire? Troublante, l’interdépendance entre l’humain et l’arbre est très fine. Vus de près, ces platanes manchots et mutilés dont on cautérise les blessures avec du ciment nous touchent. Cette opération, l’étêtage, les rend plus fragiles et vulnérables, porteurs d’émotions humaines. Même leur écorce n’est pas sans rappeler notre épiderme. On aime cette dualité. Et Zane Mellupe de brouiller les pistes et de confondre objets, corps et images dans un va et vient constant entre perception sensible et réalité. Matière et photo sont en parfaite symbiose; l’image s’affranchit et se métamorphose en objet, Un parcours extérieur dans Ixelles où certains platanes ont été drapés de tissu rouge complète l’exposition. Créée en 2006 à Shanghaï par Alexis Kouzmine-Karavaïeff, ifa gallery installe son espace principal à Bruxelles en 2013. Elle a récemment pris ses quartiers dans le haut de la ville.
‘An uprising above and beyond oneself, above and beyond everything, a miraculous uprising that is at the same time acquiescence, an acquiescence without limits, soothing and exciting, a torrent and a release, a contemplation, a craving for more than release’ – Henri Michaux, L’Infini turbulent (1957)
When you push open the door to Li Chevalier’s studio, the enthusiasm of these lines taken from the great French poet can’t fail to resonate with the same intensity.
An artist born in Beijing and imbued with the culture of her native country, she has constantly embraced other cultures, from Paris to London, from Florence to Dubai, diluting them in order to extract their quintessence. And ‘to embrace life’, as she says, in the direction of other horizons…
Science Po in Paris and philosophy at the Sorbonne, art schools in Florence and Paris and then a degree from Central Saint Martins in London, have given her a cosmopolitan outlook and – from her numerous exhibitions – international recognition: at the Museum of Contemporary Art in Rome, National Art Museum of China, the Today Art Museum in Beijing, the China Art Museum in Shanghai, the China National Opera and finally in the context of the fiftieth anniversary celebrations of the Franco-Chinese relationship. Two major paintings by the artist have featured in the French Embassy collection in China since 2011, alongside works by Zao Wou-ki and Chu Tequn. Her work is part of the permanent collection of, among others, the National Museum of China, the China National Opera, the Bernard Magrez Institute…
NEWS OF THE ART WORLD: Starting with the two words ‘link’ and ‘ink’, which seem to be key words for you, could you explain your work in terms of East and West, of figurative work and abstraction? LI CHEVALIER: I must immediately pay tribute to François Julien, the famous sinologist who devoted a huge number of books to Chinese pictorial art. In the course of an interview about the emergence of contemporary ink painting in which I presented my own work, it was he who used the words ‘link and ink’: this title that he gave me for a potential exhibition perfectly fits my situation, my search and also myself as an artist. Link because I was born in Beijing and came to France in the 1980s. I have lived since then not only between China and France but also between Asia and Europe. I’ve lived in Indonesia, Japan, Qatar, then back to China, followed by 2 years in England for my studies and finally multiple trips to Italy. Having grown up in an aesthetic environment based on the art of calligraphy and traditional ink painting, I discovered Japan when I was an adult following a long stay in Europe and this encounter with Japanese culture aroused a very strong feeling of nostalgia in me. I had the impression that I was in the setting of a classic Chinese novel, a place where my ancestors had lived. It was as though an ancient culture was reappearing that had been lost underneath ideological destruction. Japan most certainly enjoys the influence of Confucian culture on a pictorial level, on a calligraphic, poetic level…
The landscapes of the great deserts and infinite space also seem to inspire you… Yes, the Middle East is my second place for inspiration. When I stayed in Qatar, I introduced the sands into my painting on a massive scale. When you go into the desert there is the sea flowing alongside the dunes, both flawless, spread out before you, a sort of expanse, of dispersal, of infinity… These numerous journeys and extended ‘intercontinental’ stays give me the opportunity to live between cultures… I constantly return to Italy because Italy is a sanctuary of beauty. There, the beautiful is sacred. During my last stay in Rome and then Tuscany in 2017, I saw 3 or 4 exhibitions which had beauty in the title. I think it is regrettable that in certain countries, including France, the word ‘Beauty’ seems to be a term if not forbidden then at least incongruous when you use it in the context of art. Championing beauty in art is almost synonymous with a reactionary act refusing all change. As though art could only change by heading towards ugliness. The cult of conceptual art forces us to reject aesthetic emotion, the poetic, considering them to be antiquated and insipid.
And ink is connected to this idea of ‘link’? Absolutely, traditional ink painting combines with water. It can’t manifest its beauty and all its subtleties without being diluted. What counts most in this art form is not only the contrast between the two extremes of the blackness of the ink and the clearness of the water, but above all the interpenetration of these two poles that gives rise to a thousand shades of grey. The subtlety of the grey places it perfectly within the idea of ‘Link’.
Calligraphy and ink painting are the most characteristic art forms, the most typical of Chinese pictorial art, practised in every family. Within it, one can distinguish several schools, including the academic school and the school for scholars.
Do you consider yourself a scholar? I don’t know that I am worthy of the term scholar, which according to Chinese tradition is a master of poetry, music, calligraphy and pictorial art, but my paintings fall within the tradition of scholars’ paintings on several levels. A particular example would be the philosophical and spiritual tendencies of this type of painting, which is summed up by the dialogue between man and nature. I am thinking also of its proximity to poetry.
Is it the search for a lost ideal, like in idealist German philosophy, and more particularly in Romanticism, in the quest for an essential organic unity? I notice a similarity between the European Romantic aesthetic and the poetic and pictorial art of the east. The great themes of European Romanticism, notably its proximity to nature, desire for isolation, exhilaration of solitude, nostalgia, reverie etc… all these themes are very present in oriental poetic and pictorial art. The difference is that in the east, these themes are treated with restraint and modesty whereas in the west they take on their full magnitude. As for my own painting, the search for a lost or forbidden ideal, as well as the violent feeling of schism generated by this quest, overruns the entirety of my work.
Speaking of philosophy, I have never understood why I was so attracted by speculative philosophical thinking. It is undoubtedly linked to this sort of nameless violence that I experienced when I was young and the desire for rebellion. I am looking for an answer to this ‘why’! And this ‘why’ led me to collect all books on philosophy that could give me an answer. I should also say that during the Cultural Revolution, a child of 6 could already talk to you about the ‘dialectic’ of negation and the negation of the negation because it was one of the words buzzing around their ears from dawn till dusk. People talked to you about the dialectic materialism of Karl Marx, then of Hegel, Feuerbach etc..
Beyond philosophical heritage, European techniques also make their way into your work. As you know, the Chinese contemporary art that is known in the west falls within the pure plastic tradition of European or American art, I’m thinking in particular of surrealism and pop art, and other forms of more contemporary art like conceptual art. The question is what will we do with Chinese traditional ink painting? Do we want to leave it rooted in tradition or can we also extract something from it? The idea is not to defend a cultural identity but to enrich this typically eastern artistic language in a fertile process of encounters; encounters and crossover. Faced with cultural standardisation, my path lies in trying to find singularity again.
Conversely, are you concerned with updating this technique in the contemporary world? Born in the west, aesthetics as a systematic – or even scientific – study of beauty has never been a great Chinese preoccupation. If we compare the meanings of beauty, the thing that strikes me most is the absence of the concept of the sublime in Chinese philosophy. The principal aim of eastern art, whether pictorial or musical, is to celebrate harmony in order to nourish life and the feeling of peace. That is all very different from this aesthetic exaltation in joy and in pain that transports western artists.
Does the notion of ‘ravish’ have meaning in your work, in its double sense? The sublime is completely absent in the Chinese aesthetic, which looks for harmony, appeasement. Whereas with the sublime one finds the concept of pain, a type of ravishing! But many institutions don’t want it, thinking that it isn’t sufficiently provocative. ‘You aren’t making people angry enough!’ But I am angry about that. We artists who bring an aesthetic message don’t have a platform. Galleries of modern art only do impressionism, they only exhibit the work of dead people, and contemporary art will tell you you aren’t provocative enough. Where are we going?
To your next exhibition? I am going to exhibit at the Sienna art gallery, Santa Maria della Scala, from May to July. And in fact at the moment, the gallery is showing Ambroglio Lorenzetti, a painter from the Sienese school who was active between 1317 and 1348. It seems to me that Italian galleries are less sectarian in matters of style, trend or era, often showing a more universal calling. Politics separates but art unites. On this point I think France has things to improve on. Between the old and the new, between those who care about beauty and those would like to subvert it, interesting dialogues can take place. My last exhibition at the Museum of Contemporary Art in Rome was on at the same time as an Anish Kapoor exhibition.
Following Italy, we can only think about this relationship between sanctification and de-sanctification… I don’t claim any allegiance to any religion: this is linked to my own experience, as I lived in a context where all religions were forbidden. But that didn’t prevent Mao from deifying himself, this son of Heaven. The concept of the sacred is after all a product of this thing that is almost untouchable, for which one can lay down one’s life. Whether it is in Italy or elsewhere, whether it is within religion or outside religion, the sacred is very present. What fascinates me is this sort of fervour towards a type of transcendence.
Would the recurrence of music, particularly in your visual symphonies, aim for this craving for the absolute, as Wagner was wanting in his total work of art? I am a great lover of music from the Romantic and Post-Romantic era. It is in these works that I understand the word ‘sublime’. Listen to the opening of a piece by Wagner and you will understand what brings art to life. My work in paint has gone from a more peaceful period to a darker expression. I had devoted one of my dissertations in London to the subject of Nihilism and the Zen aesthetic. Today I am on the verge of abandoning reference to the concept of Zen because art is this thirst for the absolute. Without this complete fusion between the world and the artist which gives rise to vibrations, there wouldn’t be art. The trajectory of the artist is more like the via dolorosa of Jesus than the solitary path of a Buddhist monk.
Until you reach Dionysian art? In my opinion the artist as a person, particularly as far as I’m concerned, is closer to Dionysus, this god of intoxication, than to Apollo; one day I am certainly going to do a work on intoxication and art, by the way.
But Apollo is definitely present in your work… Apollo, god of harmony, comes into play in the area of lyricism. In the creation of art, in order to achieve something of beauty, I am loyal to the invariability of harmony in composition, and the contrast between light and dark.
Do you position yourself within the rupture with regard to the revolution post Duchamp? I am on the opposite side from Duchamp and in relation to artistic legacy from the west or the east. I am on a course that evolves without rupture. I am waging a revolution without weapons, without guns, without knives, a humanist revolution, without abandoning all that has been inherited.
Swedish artist Joakim Eneroth explores the subconscious in his exquisitely eerie new exhibition at IFA Gallery from April 19 to June 18.
Text by Nadine Botha
Images courtesy of ifa gallery
A new body of exquisitely bleak work by Joakim Eneroth will be presented at ifa gallery on the occasion of Art Brussels 2017. Comprising photographic and sculptural work, the exhibition marks new artistic territory for the Swedish photographer who drew acclaim for his disarming Swedish Red (2009) series that explored the fear embedded in suburbia.
Entitled Whispering Void, the new exhibition is a representation of Eneroth’s experiential research into the subconscious. Eneroth has drawn
both on his participation in neuroscience research at the Karolinska Institute in Solna, Sweden, as well as his personal relation to Western psychology – his mother was a psychotherapist – and his own dedicated meditation practice.
Through the neuroscience research, he has inferred visual relations between the X-rays and other scientific representations of brain activity with visual and sonic stimulation. Eneroth’s exhibition also includes two techniques not used by
the artist before: 3D photography and levitating sculptures.
Art historical references include Yves Klein’s 1958 exhibition Void in which the French artist proclaims that thinking of the artwork is what makes it exist. Donald Kuspit’s reading of Jackson Pollock’s work representing the popular understanding of the subconscious in mid-century US, is also significant.
The exhibition opens at ifa gallery on April 19, runs through Art Brussels
I love Paris … and even more during FIAC. This year, in particular, the city of lights became the vibrant hub of the Art World with its incredible Museums and Galleries, its exhibitions and top-notch Art Fairs.
Far from the trauma of the past few months and the terror attacks on the city, there was a feeling of happiness and lightness in the air. People were bounding through Art. FIAC week was a cheerful moment, with new encounters and fresh discoveries. There were lots of novelties at the Grand Palais: 186 galleries from 26 countries were presented (including new territories such as Hong Kong, Hungary, Japan and Poland), instead of the 173 from 23 countries last year. Several heavyweight galleries have joined the fair this year such as Blum & Poe, Metro Pictures… However, Hauser & Wirth’s absence was noticed by many. (…)
A fair is the result of trial and error and the former (Off)icielle fair, FIAC’s “off fair”, which used to take place in the 13th was obviously unattractive. Instead FIAC not only has increased the number of its galleries but has extended to the Petit Palais, pedestrianising Avenue Winston Churchill between the two magnificent buildings.
The Petit Palais is hosting the “On Site Sector” with a sculptures and installations exhibition: 40 works by 35 artists. A true jewel, its garden and galleries are the perfect settings for indoor and outdoor sculptures. I appreciated the conversations with the Ecole du Louvre students. They welcomed visitors and explained the artworks.
Not Vittal sculptures presented by Thaddeus Ropac in Petit Palais’s garden were both pure and spectacular.
I was truly impressed by how Asia Now has developed. The 2nd edition took place in a Hotel Particulier on Avenue Hoche, an elegant setting for the over 30 Asian galleries presenting works from emerging to more established galleries coming from 11 different countries. Paris-Beijing had a great video work by Wang Haiyang: “the purest hand drawing animation”.
Xu Zhe at IFA Gallery Asia Now
IFA Gallery was showing a playful installation/ sculpture/ photography: “Waterfowl” from the Chinese artist Xu Zhe: a Black swan as a poetic and humorous metaphor of Chinese society nowadays.
Last but not least, I had an enchanting dinner with friends and artist Ma Desheng, one of the founders of the Star movement in China in 1979. Dining with this legend of Contemporary Chinese art in a Parisian bistro was surrealistic and reminded me that Paris still retains an incredible aura amongst artists and art lovers… I love Paris… indeed.
Du 18 au 24 octobre, la capitale accueille une multitude de foires d’art contemporain, de toutes les tailles et pour tous les goûts. Aujourd’hui, retour sur la première journée avec la découverte d’Asia Now, la foire dédiée à la création contemporaine asiatique qui fête cette année sa deuxième édition dans un nouveau lieu et deux fois plus de galeries que l’année précédente.
Rendez-vous est pris au 8 de l’Avenue Hoche pour découvrir la sélection des galeries qui exposent à Asia Now. Quartier huppé et art asiatique, les associations d’idées- voire purement les préjugés- vont déjà bon train à mesure que je dépasse les hôtels quatre étoiles et autres bureaux de haut standing de la rue. Une crainte : être assaillie par les œuvres de type pokémono-popesques des héritiers de Takashi Murakami et finalement succomber d’une crise d’épilepsie en technicolor avec pour dernier mot « l’art m’a tuer ». Bien fait pour moi : la flexibilité jouissive du cliché m’est revenue avec une souplesse égale à la figure. J’ai certes aperçu quelques œuvres d’un goût douteux enrobées d’un discours qui fonctionne toujours -après tout, c’est d’une foire dont on parle-, mais l’ensemble de la présentation est plutôt réjouissante.
De l’exposition à la curation
Première satisfaction est de constater que pour l’occasion, la majorité des galeries n’a pas cédé à la logique de juxtaposition propre au format de la foire d’art. Au contraire, nombres d’entre elles ont pris le parti d’un espace curaté, terme barbare qui désigne pourtant la merveille idée d’arranger une sélection d’oeuvres autour d’une idée ou d’un propos directeurs. Ainsi, la galerie Maga Danysz met en scène l’intérieur d’un collectionneur chinois où se rencontrent œuvres contemporaines et art premier. Du canapé, on peut observer le tableau/télévision d’un nouveau genre de l’artiste Lui Hongbo qu’il compose à partir d’écrans de smartphones cassés.
Dans l’étroit espace réservé à la galerie Leo Xu Projects, les artistes présentés réfléchissent autour de l’identité féminine et de sa construction contemporaine entre deux cultures, celle de leur pays et celle de la globalisation. Les petites sculptures de tissu en forme de pénis que Pixi Liao fait réaliser par son partenaire depuis 2013 confronte la répartition traditionnelle des travaux domestiques à l’idée d’une libération sexuelle des femmes.
Un lieu atypique
Il faut dire que l’espace de l’hôtel particulier de l’avenue Hoche se prête tout particulièrement à la création d’univers propres à chaque galerie. Là où la distribution aurait pu être un frein à l’appréhension générale comme ce fut récemment le cas pour la Biennale du Design de Londres, les dédales de l’hôtel particulier sont un atout. Comme dans un appartement où les pièces sont indépendantes mais liées, les propositions des artistes présentés par leur galerie entrent en résonance les unes avec les autres.
Chez ifa gallery, Li Rui peint des morceaux d’anatomie à l’intérieur de demi-sphères en verre. Joues, bouche, yeux, c’est un corps parcellaire et comprimé qui ne demande qu’à exploser que l’artiste met en scène. Les maillots de bain pour femme fait d’épingle à nourrice par Tayeba Lipi à la SundaramTagore Gallery ne disent pas autre chose. Le caractère étincelant de ces maillots-bijoux, parures pour le corps des femmes, éclipse à première vue la violence du rapport à la chair. Qu’elle brille et souffre en silence, plat comme le vide qui porte ces vêtements-tortures.
Des projets politiques
De l’adage – que j’invente pour l’occasion- « qui cherche une esthétique doit fuir la foire » et qui s’applique pour 99% de ces manifestations rutilantes du marché de l’art, Asia Now prend quelque distance. Le format à taille humaine de la seconde édition y est surement pour beaucoup, car l’œil reste attentif tout du long et découvre avec plaisir quelques nouveaux talents.
Pour News of the World, Pierre Coinde transforme son recoin de l’hôtel particulier en salle de visionnage de projets de jeunes vidéastes vietnamiens que la galerie a soutenu dans leur phase de production. La foire offre d’ailleurs une belle représentation à l’art vidéo. L’artiste Lee Wangqui représentera la Corée à la Biennale de Venise 2017 présente sur le stand de la galerie 313 Art Project deux film extraits de la série Made In à travers laquelle il interroge la place entre dépendance mutuelle et rejet unilatéral de la fabrique artisanale au sein du système capitaliste libéral qui prône l’hyper productivité. Chez Magician Space, Qingmei Yao expose Recruter un mendiant/SDF pour une foire d’art contemporain, un projet performance réalisé pour la foire Art-O-Rama à Marseille en 2015. À la recherche d’un figurant pour jouer son propre rôle de mendiant pendant la tenue de la foire, Qingmei Yao déploie un théâtre du réel dont le geste artistique a pour seul garant- précaire- le contexte de l’art.
C’est une histoire assez insolite, le peintre nantais Alexandre Ouairy a réussi sa carrière grâce à un pseudonyme chinois. Ainsi, Tao Hongjing, artiste contemporain multi-exposé à Tokyo, Paris ou New York a dopé sa côte en dupant tout le marché de l’art. L’aventure du double aura duré dix ans et permis à l’artiste de se bâtir une notoriété.
Avoir un pseudonyme pour un artiste est plutôt commun, ce qui l’est moins, c’est se faire passer pour un autre et ainsi duper le marché de l’art.
C’est ce qu’a fait Alexandre Ouairy, un peintre nantais dont les ventes ne décollaient pas, ni en Europe ni en Chine.
Suite à un voyage à Shangai en 2000, il décide de changer de nom et de se faire passer pour un artiste chinois. Tao Hongjing crée et remporte alors un certain succès dans l’Empire du milieu et à travers le monde.
Reportage : Stéphanie Pasgrimaud et Boris Vioche
L’imposture qui rapporte
En quelques mois, Alexandre Ouairy-Tao Hongjing et son galeriste voient la tendance s’inverser. “On vendait une ou deux œuvres par mois, contre une ou deux par exposition avant.”. Pour ajouter encore au mystère de l’artiste de génie, Alexandre Ouairy reste dans l’ombre, c’est son galeriste chinois qui répond aux interviews des journalistes.
Et le prix de ses créations explose, atteignant près de 30 000 euros pour une sculpture quand une sérigraphie ne se vendait que 220 euros à ses débuts.
Pendant 10 ans il vit en Chine, s’imprègne de la culture asiatique et surfe sur la vague des artistes montants de Shangai. “Les artistes chinois sont devenus extrêmement chers grâce à l’engouement des collectionneurs. Il y a un côté spéculatif”, conçoit-t-il
Alexandre Ouairy, 36 ans, est originaire de Nantes et a été formé aux Beaux-Arts à Grenoble. Après son aventure chinoise, l’artiste n’a plus de double. Il a laissé tomber les sculptures inspirées du bouddhisme ou les peintures sur papier de riz et son art est reconnu en tant que tel. Une évolution qu’il a mûri lors de son séjour en Chine.
Installations, néons, sculptures, tableaux, l’oeuvre de Tao Hongjing est multiple. Elle questionne les codes artistiques asiatiques et les changements économiques qui affectent la Chine.
Aujourd’hui Alexandre Ouairy a acquis une réputation honorable et expose à Paris, Bruxelles, New York ou Shanghai. “L’art conceptuel, mon domaine, suscite beaucoup plus d’intérêt qu’il y a dix ans, les différences culturelles s’étant estompées entre Chinois et étrangers. J’ai désormais acquis une notoriété suffisante”, déclarait-il à l’AFP en novembre 2015.
Alexandre Ouairy expose actuellement ses oeuvres au Art Museum of Nanjing, Nanjing (Chine), et un solo show ouvrira à ifa gallery de Bruxelles vendredi 13 mai 2016
L’ENGOUEMENT POUR LES ARTISTES CONTEMPORAINS CHINOIS
Près de 17 créateurs chinois figurent dans le top 50 mondial de l’art sur la période juillet 2014-juin 2015, si l’on en croit une étude du cabinet Artprice. Les artistes venus de l’Empire du Milieu représentent à eux seuls 21 % des recettes mondiales, talonnant les Américains qui caracolent à 39 %.
Latvijā joprojām liekas, ka katrs vārds kaut ko nozīmē. Ķīnā attiecības ir paviršas un nekas netiek labots, bet mests ārā, novērojusi māksliniece Zane Mellupe. Par identitāti, dzīvojot starp divām valstīm, runā arī viņas darbi izstādē Restart.
Zane Mellupe on Latvian National Television following her participation at the first Photography Biennale in Riga
Scroll down for English Google translation of the text. Video is in Latvian only.
Rīgas mākslas telpā 21. aprīlī tiek atklāta centrālā “Rīgas Fotogrāfijas biennāles 2016” izstāde – “Restart”, kurā starp autoriem ir arī māksliniece Zane Mellupe, kura jau 15 gadus dzīvo Ķīnā.
Zanes Mellupes (1981) darbi Rīgas Fotogrāfijas biennāles izstādē “Restar” ir konceptuāli. No savas otrās mītnes zemes Ķīnas māksliniece atvedusi darbus, kuros atmiņas par Latviju un bērnību savijas ar 15 Šanhajā pavadītajiem gadiem.
“Kopumā tie [darbi] ir arī sava veida kultūrkodi, kas man, skatoties atpakaļ, nāk līdzi. Kā Latvija ir ietekmējusi manu vizuālo izpratni un attiecīgi manas vizuālās valodas veidošanu,” skaidro Mellupe.
Zane Mellupe Šanhajā veido dažādus mākslas projektus. Ķīnā viņas darbi guvuši kritiķu atzinību par oriģinālo ideju radīt jaunu terminoloģiju.
Zane Mellupe savos darbos izveidojusi jaunu terminoloģiju. Tāds, piemēram, ir termins “relatogrāfija”. Tas nozīmē, ka fotogrāfijai pievienots objekts, kurš paskaidro šīs fotogrāfijas saturu. “Relatogrāfija” – tās ir attiecības starp objektu un attēlu.
Jau vēstīts, ka izstādē “Restart” no 22.aprīļa līdz 12.jūnijam būs apskatāmi astoņpadsmit starptautiski atzītu mākslinieku darbi, kuros tiks meklēta saikne starp pagātni un nākotni.
Riga Art Space launched the main exhibition of “Riga Photo Biennale 2016” – “Restart” – on 21st April, in which the authors are also artists like Zane Mellupe (1981), who has been living in China for 15 years already.
Zane Mellupe’s works in Riga Photos biennial exhibition “Restart” are conceptual. The artist’s works intertwine between her time spent in what she calls her “second home country” – China, and the memories of her childhood in Latvia.
“In general, it [her work] is also a kind kultūrkodi to me, looking back, looking forward. As Latvia has affected my understanding of the visual and the visual language of my creative process” explains Mellupe.
Zane Mellupe’s stay in Shanghai consists of a variety of art projects. In China, her work gained critical acclaim for the original idea of creating a new terminology.
Zane Mellupe’s works created a new terminology. An example is the term “relatogrāfija”. This means that the photograph is related to an object, which explains the content of these photographs. “Relatogrāfija” – it is the relationship between the object and the picture.
As reported, the exhibition “Restart” is going from 22nd April to 12th June and will be displaying eighteen internationally recognised artists, who focus on the link between the past and the future.
by Kaimei Wang
Article about Zane Mellupe and her solo exhibition at Bund Art Museum “Creating Terminology? Entropy?” in China Fine Arts Literature Magazine
For Andrea Karg art, especially contemporary art, is a constant source of inspiration, both for her design process and for her personal life. We’ve already presented some of her favourite artists in our Art Dept. This time we are excited about not just one but three visionary creatives from China.
While their artistic styles and biographies couldn’t be more different, their works nevertheless complement each other in a wonderful triad of expressive use of form, poetic message, and plenty of “wow” effect. Works by all three could recently be seen at the Art Paris Art Fair at the booth of Brussels-based gallery ifa, which has a second branch in Shanghai. Founder Alexis Kouzmine-Karavaïeff combines big names from China and Korea with exciting European talents in his portfolio, with works in all kinds of media, including painting, photography, video art, installations and performance art.
The theme of this year’s presentation by the gallery for Art Paris 2016 was graphical parallel worlds that draw viewers inside and guide them through their refined structures. In addition to three Korean artists – Ju Young Ban, who lives in Brooklyn, Yulim Song and Jinhwa Jung – Chinese artist Dai Guangyu and his countrymen the Gao Brothers caught our eyes as well as Lithuanian artist Zane Mellupe. The latter even showed cobalt-blue knitwork and knitting needles cast in plastic. Very fitting for this triple tip by the Allude team.
Dai Guangyu (born in 1955) began to study Chinese calligraphy when he was only five years old. Instead of devoting himself entirely to traditional crafts, however, he plunged head-on into the New Wave movement of the late eighties and the avant-garde scene of Sichuan Province. Later, in the 1990s, he discovered the body as an artistic medium. His performances questioned the social order of his homeland, its ethics, and the distribution of power between culture and commerce.
Since 2003, the year of his move to Beijing, Dai Guangyu has refined his stylistic palette of poetry, symbols and codes. His credo is: all solid forms exist only for the moment, and all circumstances are in constant transformation. To express this belief he draws from the rich heritage of China and combines its elements with contemporary scepticism and expressive imagination.
Zane Mellupe (born in 1981) has focused on the artistic cosmos of photography since she was 14 years old. She thinks almost exclusively in images, Mellupe once said – first in Riga, later in London and now in Shanghai. In one of her photographic series she serves as her own motive, while another deals with social issues.
In both cases she mixes different techniques and works towards achieving a dynamic fusion of the image with the pictured body and object. Where does the photo end and the subject begin, and where do they become one? Other interests of the artist are holistic urban development in her adopted homeland and intensive research projects within her favourite discipline of photography. More info on her and her work can be found here.
The Gao Brothers consist of Gao Zhen and Gao Qiang (born in 1956 and 1962, respectively), who are brothers in real life and live in Beijing. For over 20 years they have devoted their work to man’s place in society and the limits of people’s fraternisation, especially but not only in China. Their father’s death caused by the Mao regime and their own participation in the protests on Tian’anmen Square are a clear influence in their artistic mission.
Their approach is varied; the duo uses photography, film, painting, sculpture and performance. The two brothers are also active as critics and curators. Their works are part of the collections of the Museum of Modern Art (MoMA) in New York, the China National Museum, the Centre Pompidou in Paris and the Victoria and Albert Museum in London. More info on their work can be found here.
Photos: IFA Gallery; Dai Guangyu; Zane Mellupe; Gao Brothers
Un tirage unique. C’est le rêve de tout collectionneur de photos. IFA Gallery offre ses cimaises à deux artistes qui explorent d’autres horizons et voient ce médium sous de nouveaux angles. Pour en modifier le propos et en tirer de multiples saveurs. Sans limites. Un travail qui souligne la singularité de chaque pièce. Flash sur Paulina Otylie Surys et Zane Mellupe.
Paulina Otylie Surys (1979) pour le rêve, l’intimisme éthérée, mais aussi pour la sensualité et l’érotisme. Pour ces chroniques impudiques sous la bannière du mystère. On a parfois l’impression d’entrer par effraction et de surprendre ses modèles. Cette jeune Polonaise basée à Londres a déjà un beau parcours derrière elle. Proche du cliché ancien, elle aime l’argentique et s’inspire de veilles techniques cinématographiques de coloration pour teinter ses images et en accentuer le caractère artificiel. On devine sa formation de peintre classique tant par ses compositions que par ses accents chromatiques. Elle célèbre le corps et la beauté féminine, reprend les atouts et les subtilités du pinceau. Une esthétique inspirée des préraphaélistes, des surréalistes ou d’Alfonse Mucha, raffinée, délicate et troublante. Paulina Surys manipule ses photos par pliages ou en les associant à d’autres matériaux, les projetant ainsi dans une troisième dimension qui souligne le côté unique de chaque œuvre.
Zane Mellupe (1981) n’est pas en reste. Petites histoires délicates et très personnelles que celles de cette jeune lettone installée en Chine après sa formation de sinologue. Entre réflexion et novation, elle travaille l’image comme un matériau, comme si la photo, insoumise, ne pouvait se figer en un seul support. Elle les multiplie d’ailleurs à l’envi. Et va jusqu’à coller une photo sur des ciseaux. Objet et image sont étroitement enlacés. Zane Mellupe se situe autant dans l’actualité que dans la nouveauté de la création. Sa recherche plastique s’inspire souvent de faits divers pour construire ce qu’elle nomme de « Vraies fictions ». Ainsi Investigation 1 Lane 179 Wulumqi Road où elle évoque les dramatiques conditions d’expulsions des habitants d’un quartier de Shanghai convoité par un projet immobilier d’envergure. L’image est imprimée sur un pan de mur venant d’une demeure de ce quartier. Un rôle social qui mérite d’être pointé.
Fondée en 2006 à Shanghai, IFA Gallery s’est transportée dans les Marolles fin 2013. Elle montre surtout des artistes chinois contemporains qu’elle fait (re)connaître. Vous avez jusqu’au 6 mars pour voir ce beau tête-à-tête. Une exposition fort intéressante et, pour nous, découverte de petits bijoux. La photo n’a pas dit son dernier mot !
Unique Editions Paulina Surys et Zane Mellupe IFA Gallery 28 rue des renards 1000 Bruxelles Jusqu’au 6 mars Du jeudi au dimanche de 10h à 19h
Diversity and dynamism are vital traits which London as a city reflects onto its art scene. As a result, London’s emerging photographers come from a multitude of backgrounds, are all at different stages in their careers and pursue a variety of artistic drives. They do, however, have two things in common – their complete proficiency in the photographic medium and their unrelenting creative energy. Here is our pick for the top ten contemporary photographers to watch.
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PAULINA OTYLIE SURYS
Born in Poland and currently based in London, Paulina Otylie Surys demonstrates a distinctly unique and bewitching style with her organic and multi-layered photos. She has recently ventured into provocative fashion photography in London after a classical background in fine art from the Academy of Fine Arts in Wrocklaw, Poland. Surys works with a variety of mediums to create her signature pieces – preferring to use analogue cameras, she then paints her images by hand using a variety of inks, toners, chemicals and dyes before repeating the photography process. The results can be described as otherworldly, bizarre, ghostly, emotional and even disturbing – but one thing they all have in common is how captivating they are. Her intriguing style – a cross between photography and classical painting – has led her to be featured in numerous magazines, including LOVE and Vogue Italy.
[…]
Last week, a French artist living in Shanghai named Alexandre Ouairy received a wave of press attention for revealing that he had been exhibiting under the Chinese pseudonym Tao Hongjing for the past decade. According to news reports, he had assumed the pseudonym a decade ago, based on a suggestion by his gallerist, in order to cash in on the market there for Chinese contemporary art, a goldmine unavailable to an artist of French descent living in China. Now, on the eve of two solo shows — at Red Gate Gallery in Beijing and Shun Gallery in Shanghai — Mr. Ouairy was finally coming clean, acknowledging that the whole masquerade had been a “conceptual art project.”
But an interview with the artist by telephone, and with one of the dealers representing his work, reveals that the news coverage greatly exaggerates the extent of his ruse, and a little market research reveals that his reported success as a Chinese artist is middling at best.
“At the beginning, the first year or two, only the gallery and myself knew that I was Tao Hongjing,” Mr. Ouairy said by phone from Shanghai, “but after that, it was always revealed that this was a project by a French artist.” Brian Wallace, the owner of Red Gate Gallery, which is sponsoring the current exhibition, “Death is Going Home,” said that he had known that Tao Hongjing was the French artist ever since he collected his work almost a decade ago. “Everyone knew that Tao Hongjing was Alexandre Ouairy and that Alexandre Ouairy was Tao Hongjing,” he said.
It is unsurprising that the Western press would leap on a story of a European artist who appeared to adopt a Chinese identity. After all, most recently, Michael Derrick Hudson, an American poet, posed as Yi-Fen Chou to land a coveted spot in this year’s “The Best American Poetry” anthology. But transforming identity is not as easy as it seems, even in China, a country with an unmatched reputation for knockoffs.
Mr. Ouairy, 36, began his project in 2004 when he was a very young struggling artist in Shanghai, having arrived in China from Lyon four years earlier. Though some reports claim that adopting the pseudonym Tao Hongjing jump-started his career, he is not well known, even now, in Chinese art circles. He has shown with galleries in Shanghai, including the short-lived Gallery 1918 and also Studio Rouge, located in Moganshan Lu, the city’s art district. But neither of these establishments carry major weight, nor does Shun Gallery, the artist’s present dealer. In a scene that has expanded exponentially in the past decade with several art fairs and more than six new contemporary art museums in Shanghai alone, Mr. Ouairy remains a minor player, albeit one who claims his work sells for as much as $30,000.
Several years ago, another Shanghai artist, Xu Zhen, who shows with James Cohan Gallery in New York, famously said, “Anyone can be a Chinese artist — an American can be Zhang Xiaogang,” referring to a top-selling art star, known for his solemn portraits of Cultural Revolution survivors. To underscore his point, Mr. Xu created a company, MadeIn, which produced a show of “contemporary Arab art,” fooling visitors into believing that they were seeing works by Middle Eastern artists.
It is perhaps the ultimate twist that an artist from France, once the bastion of modern art, now thinks he needs to fake a Chinese identity in order to gain recognition and acclaim. This week, Red Gate’s website states that the current exhibition is a “curated show of Tao Hongjing’s work throughout the last 10 years of his lifetime, where he reflects on money, fame and life.” Now that Mr. Ouairy has killed off his alter-ego, it remains to be seen whether either of them will meet with success in this posthumous guise.
Imposture: l’artiste chinois en vogue à Pékin était… français
Par Noémie Halioua, AFP agence
Alexandre Ouairy, un Nantais formé aux beaux-arts à Grenoble, s’est constitué une fausse biographie à Shanghai, se faisant appeler Tao Hongjing pour «jouer avec le marché et les stéréotypes». En dix ans, le prix de ses ventes ont explosé.
Génie ou opportunisme? Un artiste chinois très en vogue à Pékin s’est révélé être… un Français. Après avoir vendu ses oeuvres pendant dix ans sous un pseudonyme chinois, cet artiste a aujourd’hui levé le masque. Alors que s’ouvre à Pékin sa nouvelle exposition, sous nom d’emprunt, il assure que sa démarche était de «jouer avec le marché et les stéréotypes».
«Né dans le Sud de la Chine», selon sa notice biographique, Tao Hongjing, artiste «chinois» multi-exposé à Tokyo, Paris ou New York, a pourtant les yeux bleus, la peau blanche et les cheveux blonds plutôt associés aux «lao wai», surnom des Occidentaux en Chine. «Mon vrai nom est Alexandre Ouairy», dit en souriant le Français de 36 ans, Nantais de naissance, formé aux Beaux-arts à Grenoble et débarqué en 2000 à Shanghai pour «l’aventure», dans une ville alors quasi-dépourvue de galeries d’art. Dans l’une d’elles, il commence à exposer, sous son vrai nom, mais «l’intérêt du public était limité, voire nul», se remémore M. Ouairy, qui ne voit qu’une seule explication: «C’était dû au fait que j’étais étranger».
Dans le Shanghai des années 2000, les artistes chinois, valeurs montantes, monopolisent les regards. «Les collectionneurs étaient surtout étrangers, et ils voulaient acheter chinois, car pour eux c’était un bon investissement.» Alexandre Ouairy, «frustré», se désole de ne pouvoir «créer un dialogue» avec spectateurs et artistes chinois via ses créations, ignorées.
Du jour au lendemain, le succès était au rendez-vous
En 2005, le marché de l’art contemporain chinois décolle et le Nantais a un déclic: «Je voyais à Shanghai toutes ces contrefaçons Louis Vuitton ou Prada. Et je me suis dit: s’ils fabriquent des faux sacs, pourquoi ne fabriquerais-je pas un faux artiste chinois?».
Alexandre et le galériste chinois qui l’expose cisèlent alors à quatre mains la biographie imaginaire de l’artiste fictif (un mélange de leurs deux vies) et lui attribuent un nom: Tao Hongjing. «C’est inspiré d’un philosophe chinois des 4eme et 5eme siècle, qui était assez blagueur. C’est comme cette idée de pseudo: pour moi, c’était une blague». Et cela fonctionne: «Du jour au lendemain, le succès a été au rendez-vous», explique l’artiste, dont les créations suscitent alors la frénésie du marché et l’intérêt subit des amateurs. «On vendait une ou deux oeuvres par mois, contre une ou deux par exposition avant».
«Pendant cinq ou six ans, personne ne savait que Tao Hongjing, c’était moi», s’amuse M. Ouairy, qui se rend incognito à ses propres vernissages et s’y présente comme le simple «assistant de Tao Hongjing». «On était un peu embêté lors des demandes d’interviews de la presse, donc on faisait ça par téléphone. Et mon galeriste chinois répondait à ma place», sourit le Nantais. En dix ans, le prix de ses oeuvres explose: ses sculptures en céramique se monnayent désormais 29.000 euros, bien plus que les 220 euros des sérigraphies de ses débuts.
«Se présenter comme Chinois, cela a compté. Il y a toute une économie, un intérêt financier, qui n’est pas le même. J’ai joué avec ça», admet-il. «La nationalité est évidemment très importante», affirme à l’AFP Yang Yang, fondatrice à Pékin de Gallery Yang, qui expose artistes chinois et étrangers. «L’art contemporain est lié à un territoire, la prétendue internationalisation de l’art, ça n’existe pas vraiment» explique-t-il.
Meet the White Artist Who Pretended to Be Chinese for a Decade and Just Got Busted
Tao Hongjing, To Get Rich Is Glorious.
Photo: Tumblr.
For over a decade, artist Tao Hongjing has been creating work inspired by his “oriental identity,” according to his artist statement. He’s found success creating and selling traditional Chinese artworks like gold-plated Buddha statues, ink prints on rice paper, and Chinese characters made in neon lights, some of which sell for as much as 200,000 yuan ($30,000).
The issue? The artist is not actually Chinese. “Tao Hongjing” is the assumed name of Nantes-born artist Alexandre Ouiary.
According to Agence France-Presse, the pseudonym was the brainchild of a Shanghai gallerist, who observed that the market for Chinese contemporary art was growing in China, but that there was little interest in work by a French transplant.
Alexandre Ouairy.
Image: ifa-gallery.com.
“The collectors were primarily foreigners and they wanted to buy Chinese work, because for them it was a good investment,” Ouairy recalls. “I saw all that counterfeit Louis Vuitton and Prada, and I said to myself: If they make fake bags, why don’t I make a fake Chinese artist?”
Is Ouiary the Rachel Dolezal of the art world? Or a version of Michael Derrick Hudson, who used an Asian pseudonym to land a spot in this year’s Best American Poetry anthology? Or is he just an enterprising artist who took advantage of supply and demand?
On November 7, Beijing’s Red Gate Gallery will open “Death is Going Home,” an exhibition and coming out party of sorts, where Ouairy will reveal his true identity to gallery visitors.
How, you may be wondering, did the artist, who is obviously white, pull off pretending to be Chinese for so long? He avoided public attention, conducted press interviews by phone, and often attended his openings by assuming the identity of Hongjing’s assistant, accompanied by his Chinese gallerist, who took on the role of the artist.
Ouairy made the choice to reveal himself not out of guilt or remorse for his actions, but because “cultural differences between Chinese and foreigners are smaller now,” he told AFP. “And I’m sufficiently well known.”
Tao Hongjing, To Get Rich Is Glorious.
Photo: Tumblr.
He isn’t the first artist to use a disingenuous pseudonym, of course. In an exhibition called “Plate Convergence,” artist Theaster Gates presented his pottery as the work of a fictional Japanese ceramicist named Shoji Yamaguchi, a master potter who, according to the saga invented by Gates, survived the Hiroshima bombing, moved to Mississippi, married a black civil-rights activist, and formed a pottery commune.
But Gates, its worth noting, used his fictional creation in part to explore his own narrative as an African-American and in part to free himself from the confines of his own artistic identity, not to dupe people into buying his art.
What will become of Ouairy, not to mention the market for work by his alter ego, remains to be seen. After all, he didn’t use just any name. Tao Hongjing, who died in 536 AD, is known for being the most famous Daoist of his time. We highly doubt Ouairy will experience the same fate.
Octobre 2015
Art & Culture • Galeries | Bruxelles (Martin Boonen) • p.64
Produit par Nanette Ritter
Des coups de cœurs, des envies de sortie et des infos pratiques, une chronique santé, les invités incontournables des arts de la scène…chaque matin de la semaine, Nanette sourit dans le micro et nous de même, en voiture, à la maison ou au bureau. Une heure riche qui vous accompagne toute en fantaisie et en douceur dans votre matinée. Les tendances Nanette ? Jazz, Blues et Musiques du monde avec une préférence pour celles aux accents hispaniques.
Jeudi 17 Septembre 2015
Invités : Odile Ouizeman de la Galerie Odile Ouizeman & Alexis Kouzmine-Karavaïeff d’ifa gallery
Pour sa première participation à Beirut Art Fair, ifa gallery, fondée par Alexis Kouzmine-Karavaïeff présente les oeuvres de six artistes internationaux, dans une exposition intitulée « Dialogue et Reconstruction ». Autour desGao Brothers sont réunis, Zhang Dali, Christophe Demaître, Dai Guangyu, Wu Junyong, Zane Mellupe et Alexandre Ouairy. Les Gao Brothers développent, depuis une vingtaine d’années, une réflexion sur l’évolution de la société chinoise, la paupérisation des classes moyennes, l’isolement humain dans les sociétés urbaines et l’urbanisation des campagnes. Leur première exposition solo show à Bruxelles se déroulera du 12 septembre au 29 novembre 2015 chez ifa gallery.
Dans cette oeuvre exposée à Beirut Art Fair, ils proposent une analyse très personnelle de la situation socio économique de la Chine. Ils mettent en perspective, les contrastes qui pourraient définir cette situation en usant, à leur tour, d’une palette de contrastes : contraste du noir et de la couleur, de l’ombre et de la lumière, de la composition. Ici, la présence humaine créée une dissymétrie troublante, comme pour nous signaler subrepticement un malaise, une anomalie dans le système. Dans cette photographie intitulée : « perspectives« , ils opèrent un le travail de dénonciation des malaises de la société, qui se lit avec beaucoup de subtilité à travers l’oeuvre en filigrane. Le paysage, vierge de toute construction en arrière-plan, est perturbé par l’irruption d’une structure géométrique noire. La présence physique des personnes assises perturbe le jeu d’échelles et laisse deviner qu’il ne s’agit pas d’une fenêtre…
Le fil conducteur des photographies des Gao Brothers est la représentation d’un espace cloisonné dans lequel s’insèrent l’être humain, ses désirs, ses frustrations, ses douleurs, ses rêves et ses cauchemars. Cet espace prend l’apparence d’un placard, d’un immeuble déserté, d’une ruche dont les innombrables alvéoles s’emboîtent, ou encore d’une construction totalement digitale dont les fenêtres reproduites à l’identique prennent des allures kafkaïennes…Il s’agit toujours d’une « espèce d’espace », dans lequel l’homme semble être tour à tour dans l’attente, abandonné, perdu, exclu, compressé, étouffé, jamais tout à fait libéré, mais, curieusement, jamais tout à fait mal à l’aise. C’est un peu comme si l’être humain était pris au piège de ses propres constructions.
Fondée en 2007, ifa gallery s’implante dans le célèbre district d’art contemporain de Shanghai, M50. En 2013, ifa gallery ouvre de nouveaux locaux au coeur de la capitale européenne, Bruxelles. Beirut Art Fairse déroulera du 17 au 20 septembre 2015.
Dream a Little Dream of Me non è solo il titolo della mostra fotografica di Petr Lovigin, ma un invito a viaggiare, a vagabondare nella terra fantastica creata dall’artista russo. Nella sua prima serie chiamata Fall in Love, Lovigin costruisce il suo e il nostro immaginario attraverso la fotografia analogica in bianco e nero.
Una coppia volteggia e si libra in un mondo che appare estraneo, onirico, avulso dalla praticità e gravità terrestre. I due amanti sembrano dispiegarsi in contesti surreali, trascendere il quotidiano e, attraverso la complicità che nasce dal loro amore, ci invitano a condividere il loro mondo.
Nel 2011, Petr Lovigin passa alla fotografia digitale a colori accompagnata da un complesso lavoro di fotomontaggi. Nella serie, What a Wonderful World! My Louis!, l’artista mostra i suoi paesaggi immaginari, ispirati alla sua Russia natale, su uno sfondo stampato di un libro tibetano di preghiere. Ed è all’interno di quest’ universo immaginato da Petr Lovigin che un giovane Louis Armstrong, icona della musica jazz, s’incammina con una valigia alla mano.
Grazie alla sua formazione come architetto, le sue immagini sono accuratamente composte e sublimate dall’aggiunta di motivi tradizionali russi o elementi incongrui. Tra nostalgia e sofisticata tecnica, tra universalismo e riferimenti russi, Petr Lovigin ci mostra la sua opera fotografica che egli battezza la “cucina dell’anima”.
L’artista russo sembra volersi allontanare dal quotidiano, dalla banale ripetizione e dall’abitudine della vita di tutti i giorni. Il suo lavoro è trincerato al riparo da questo tipo di realtà. Nelle sue opere assistiamo a una fusione: la realtà si trasforma in narrazione e la narrazione si fonde con la realtà. In quest’ universo costruito magistralmente i personaggi del mondo reale come Sathya Sai Baba, Takeshi Kitano e Leo Tolstoï o il giovane Louis Armstrong vivono e si muovono con noi. C’è spazio per tutti in questo pianeta e, soprattutto, c’è spazio per gli sguardi.
Petr Lovigin è un sognatore del reale. Costruisce il suo lavoro, immagine dopo immagine, indagando le diverse sfaccettature della dimensione onirica e donando al sogno il ruolo di garante della libertà. L’artista nel suo lavoro adotta l’estetica del contrasto. Il contrasto diventa poesia. Più le immagini armonizzate insieme risultano distanti, siderali, più il risultato si fa stimolante. Tutta l’opera di Petr Lovigin non è certo priva d’humour. La sua libertà, il suo humour, a volte grottesco, si esprimono per l’appunto attraverso bizzarre associazioni cinematografiche, artistiche e culturali. La sua visione della fotografia è poetica e ancorata all’immaginario.
Petr Lovigin è un artista nato nel 1981 a Yaroslavl in Russia. È uno dei bloggers più celebri della gioventù russa e le sue opere, di un disarmante impatto visivo, hanno ottenuto per ben due volte la copertina del Courrier International. Quest’esposizione è la sua prima mostra personale in Belgio, mentre le sue serie fotografiche sono già state presentate presso il Museo di fotografia di Salonicco, alla Biennale della fotografia di Mosca, al Museo d’Arte Moderna di Istanbul, ma anche a Parigi, Roma , Monaco di Baviera, Israele e Cina.
INFORMAZIONI
Petr Lovigin. Dream a Little Dream of Me
Dal 13 Giugno al 6 Settembre 2015
ifa gallery, Rue des renards 28, Bruxelles / Tel. +32.02.502.40.58/ contact@ifa-gallery.com
Orario: giovedì – domenica 10.00 – 19.00 / Ingresso libero
“Dream a Little Dream of Me” is the title of the exhibition of the photographic works of Petr Lovigin. It is also an invitation to take a wandering trip through a fantasyland created by the artist.
In his first series called Fall in Love, Pietr Lovigin deals with analogue black and white photography. A couple seems to float through surrealist situations, as if in a dream guided only by themselves. They stand away from everyday life and invite us to share their imagination.
In 2011, Petr Lovigin moves on to digital colour photography, accompanied by a complex, manual work of photomontage and successive filters. In the series What a Wonderful World! My Louis!, the artist unfolds his fantasy landscapes inspired by his native Russia on a backdrop taken from a Tibetan prayer book. Amongst this wanders Louis Armstrong, the jazz icon, carrying a suitcase. Or rather, a young Louis reincarnated in the fantasy world of Petr Lovigin.
The image is both rigorously constructed – the artist has an architectural education- and interpreted through a fantasy vision, imbued with elements such as Russian traditional motifs or incongruous figures. Hovering between nostalgia and sophisticated technique, between universalism and his Russian references, Petr Lovigin exhibits his photographic work that he calls his “soul kitchen”.
Petr Lovigin is an artist born in 1981 in Yaroslavl in Russia. He is one of the most celebrated bloggers of the young Russian generation. His visually forceful works have twice graced the covers of Courrier International. This is his first solo show in Belgium, whilst his photographic series have already been presented including recently at the Thessaloniki Museum of Photography, at the Moscow PhotoBiennale, at the Museum of Modern Art of Istanbul, as well as in Paris, Rome, Munich, Israel and China.
EXHIBITION Dream a Little Dream of Me by Petr Lovigin
Through 6th June, 2015
Ifa Gallery
rue des renards/vossenstraat 28
1000 Brussels
Belgium
ifa gallery will be closed from July 22nd to August 20th, 2015
This show is organized in collaboration with www.clair.me
I BLINKED. Sitting in front of me was a blond Yeti. Stepping closer, I noticed that his “hair” consisted of rubber bands. “Oh, you’ve met our monster!” said a girl at the booth. “He has lots of admirers.” Admiration wasn’t quite the word I’d use, but no matter. Hummelman, as it turned out, was an artwork by Mette Sterre featured at the stand for University of Arts London—a student-run initiative that dominated the nonprofit section of Art15.
As Hummelman indicated, Art15 was an unusual fair. Now in its third year, the self-styled “Global Art Fair” gathered galleries from forty-two countries with the mission to put London on the “international” map. Art15—co-owned by Art HK founders Tim Etchells and Sandy Angus—targets younger galleries with an Asian background. Driving this agenda is Nour Aslam, a specialist in South Asian art, who is in charge of gallery development. “We are very proud that visitors are responding so positively to a non-western centric approach,” fair director Kate Bryan told me.
Bryan’s sentiment chimed with many on opening night last Wednesday. “Art15 has a great international vibe. I think it is a good indicator of the growing demand for Korean art in the West,” opined Heashin Kwok of the London- and Seoul-based Hanmi Gallery. Purple-haired Pearl Lam of (duh) Pearl Lam Galleries revved up for some serious sales: “We have been exhibiting in the fair since its inception. It is exciting to see a truly multicultural offering of artists.” Collector Mera Rubell chimed in, “This fair reflects the culture of London. It’s so multicultural.”
Left: Aaron Cezar, founding director of Delfina Foundation. Right: Mort Chatterjee of Chatterjee and Lal Gallery, Mumbai.
I heard a lot about “multicultural London” in those few days around the fair. Think of artist Mimsy (a pseudonym adopted for her protection) and her light-boxes depicting Sylvanian Family dolls on a picnic that is interrupted by the nastiness of ISIS. Mimsy was part of Freedom Audit, a nonprofit exhibition, ensconced in a room at the fair, curated by the Royal Academy’s onetime director Kathleen Soriano. The section included artists from eighteen countries who stood for “the freedom of expression” and denigrated intolerance. (Ironic, given Britain’s current paranoia about immigration and EU-membership.)
At any rate, the preview was a colorful melting pot: Artist Idris Khan—last spotted at his minimalist black-and-white exhibition at Victoria Miro in Mayfair—was standing under a golden statue. Television presenter Michael Urban clung to fashion designer Roubi l’Roubi. Wait! Was that Niru Ratnam, director of Art14? Ratnam has left to start his own fair, called (duh) START. “What do you think of Art15, Niru?” I asked. “Stop stirring the pot!” whispered a passing dealer. Meanwhile, big-time collectors Budi Tek, Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, and the Rubells were at large. Sandy Angus looked pleased.
The curated sections offered more than a few treats. Spearheading London First, a grouping of twenty-five galleries, Aaron Cezar of Delfina Foundation said he wanted to “collapse worlds, collapse time.” My favorite was the monochromatic booth of White Rainbow, London’s trendy new Japanese gallery, where Takahiro Ueda’s three out-of-sync clocks clocked the vagaries of time. There were some good satellite events too—each following the star of a different Asia—including Grosvenor Gallery, which had an exhibition of paintings by Indian modernist MF Husain. I of course opted for my own beat: cocktails at the home of Pakistani collector Taimur Hassan. Hot topics were the new biennials coming up in South Asia: Lahore and Karachi both jostling for the kudos of hosting one. News of onetime Christie’s exec Hugo Weihe’s decision to join the Indian auction house Saffron Art made for sizzling speculation. In Hassan’s house, though, no hint of competition was in evidence: Pakistani Anwar Shemza’s geometric paintings shared space with Goan FN Souza’s Heads, while Delhi-based collector Lekha Poddar swapped stories with artist Naiza Khan, Mumbai dealers Mort Chatterjee and Tara Lal caught up with their London-based pal Conor Macklin… and hurray: more champagne!
Back at the fair the next morning, Majorie Martay of Art W—a New York–based educational outfit that produces tours and exhibitions dedicated to the feminine—was conducting a VIP visit with women artists at Art15. We took in feathery sculptures by Kate MccGwire, pearly button-paintings by Ran Hwang, and Sandra Shashou’s Broken Translations of British Love, comprising smashed fine bone china painted gold. “It’s about vulnerability being precious,” said Shashou sweetly. If Art Fair Art is invariably shiny, at least Art15’s dazzle came from a different direction. “This is a little more contemporary than FIAC and it brings you a little further,” said collector Angeline Fournier, prodding Hsu Wei-hui’s peachy Flower of Lifefashioned from facemasks. Catching sight of the blossom’s reverse end in the mirror, I notice it resembles a skull. Oh, when prettiness putrefies.
BBC broadcaster Phillip Dodd was more preoccupied with business than beauty. As the founder of Made in China, he was in charge of talent-spotting “non-Western” galleries. Dodd argued that if Art Basel Hong Kong tends to consist of Chinese artists educated in the West, Art15 aims to showcase artists educated in Asia. Beijing’s Space Station (to whose booth Dodd dispatched me), was exploring “body boundaries.” Six and a Half Years, by the collective Double Fly Klein Blue, was a phallic fantasy of a video featuring eight nude men jumping about in a pool of Klein-blue paint. “Now Chinese contemporary art is more open-minded—that’s why Phillip invited us here. Double Fly paints subjects to distort them. And there is a water gun,” green-haired dealer Feng Ying pointed out.
There was excitement from some (“Yes we are selling!” exclaimed Daisy Shiou of Taiwan’s Liang Gallery) and discontent from others who expected contact with new collectors. Alexis Kouzmine-Karavaïeff of ifa gallery in Brussels was grumpy: “I am disappointed!” But in his black-clad booth on Saturday morning, dealer Jal Hamad of Madrid-based Sabrina Amrani was all optimism. A diehard fair-enthusiast, this was Hamad’s second year in London. Was he selling? “You don’t say it’s over until it’s over. This fair is very contemporary—I hope you enjoyed it.” I did. Like the ginormous, chocolate-smothered strawberry I stuffed into my mouth at Khaas Art Gallery’s booth, it was bigger than expected with hints of sweetness. Next mutation please?
Left: Michael Urban with designer Roubi l’ Roubi. Right: Suquin Ou of Mao Space, Shanghai.
Left: Alexis Kouzmine-Karavaïeff of ifa gallery, Brussels . Right: Artist Parekh Maity and Prajit Dutta of Aicon Gallery.
Left: Oana and Cosmin Nasui of Postmodern Museum, Romania. Right: Collector Henrietta Sheilds.
Left: Heashin Kwak and Yoojin Choi of Hanmi Gallery, Seoul and London. Right: Boris Vergote and Eve Ritchie from White Rainbow, London.
Left: Stefano Crosara of kanalisarte gallery, Italy. Right: Zishan Afzal Khan and Alia Bilgrami of Khaas Art gallery, Pakistan.
Visit Brussels and ifa gallery during an arty weekend
Alexis Kouzmine-Karavaieff & ifa gallery, entre Bruxelles et Shanghai
Radio Interview by ALESSANDRA REBECCHINI – Balade en Chine
GB Times – Radio Chine Internationale (02 December 2014)
Alexis Kouzmine-Karavaieff, galeriste aux allures élégantes.
Je l’ai rencontré à la Fondation Ricard à Paris, habillé en blanc de la tête aux pieds! En 2006 il crée ifa gallery à Shanghai, dans le quartier M50. En 2013 il décide de revenir en Europe et ouvre ifa gallery à Bruxelles afin de faire connaître, en Europe, les artistes contemporains chinois qu’il a côtoyé pendant ses années shanghaiennes.
Mais avant, retour sur ses études et son premier voyage en Chine, c’est là où tout a commencé !
Alexis Kouzmine-Karavaïeff interview by Mathieu Jolivet on 17 May 2014
À l’occasion du cinquantième anniversaire de l’ouverture des relations diplomatiques sino-françaises, la République populaire de Chine était l’invitée d’honneur de Art Paris – dont j’ai déjà parlé ici.
Il y avait de très nombreux artistes exposés, il y aurait beaucoup de choses à dire, mais j’ai envie de parler en particulier du travail Dai Guangyu.
Cet artiste, né en 1955 dans la province du Sichuan – au centre ouest de la Chine- est un autodidacte qui fait des performances, des installations, de la photographie, il est aussi un calligraphe talentueux et reconnu par ses pairs.
Black Paper, 2014, installation évolutive, acrylique et encre de Chine sur papier
de riz monté sur socle de bois. Capture d’écran site Art Paris
Au Grand Palais, nous pouvions voir Black Paper, une installation comprenant un texte calligraphié à la peinture acrylique blanche sur une feuille de papier de riz, marouflée sur un socle bois. Sur la feuille calligraphiée se trouve deux bols d’encre de Chine. À l’aplomb de ces bols un système de perfusion relié à des bouteilles en plastique goutte lentement dans les récipients remplis d’encre qui débordent sur la feuille de riz calligraphiée. L’encre se diffusant ainsi révèle au fur et à mesure le texte calligraphié. Vous remarquerez quatre petites « louches » en bambou sur la photographie qui sont des ustensiles traditionnels de la cuisine chinoise et dont l’artiste – où une tierce personne invitée par celui-ci – se sert pour propager l’encre dans les endroits trop éloignés et, ainsi, révéler l’intégralité du texte
Cette pièce est d’abord intéressante plastiquement, elle semble empreinte de contradictions. D’abord l’opposition entre la précision traditionnellement liée à l’art de la calligraphie qui exige une grande maitrise et beaucoup d’apprentissage et le processus de révélation de la calligraphie qui repose ici sur un principe totalement aléatoire. Ensuite le rapport des couleurs est lui aussi inversé ; dans la calligraphie traditionnelle, les caractères apparaissent en noir sur un fond blanc, ici ce sont les idéogrammes qui apparaissent en blanc sur un fond noir. Enfin les bouteilles en plastiques banales et un peu bosselées jurent avec la noblesse des matériaux traditionnels de la calligraphie, l’encre de Chine, le papier de riz et l’élégance de l’ensemble.
Cette œuvre porte aussi un message fort quant à la situation politique de la Chine, en particulier culturelle. Le texte révélé, Le Classique des Mille caractères(Qianziwen), est un poème classique de la littérature chinoise, où chaque caractère n’est utilisé qu’une seule fois. Ce poème est utilisé depuis le VIème siècle pour l’enseignement de l’écriture aux enfants. La tradition rapporte que c’est l’empereur Wu qui commanda ce poème à un lettré pour l’apprentissage du prince héritier. Mais la diffusion et l’apprentissage de ce texte sont interdits depuis la grande révolution culturelle prolétarienne orchestrée par Mao. Ce tabou est toujours en vigueur aujourd’hui et ce sont donc les parents de l’artiste, des lettrés, qui lui ont appris secrètement ce texte lorsqu’il était enfant. Au commencement de l’installation Black Paper,le texte est était invisible, inscrit en blanc sur blanc et c’est lentement qu’il est dévoilé par l’encre. Ce processus évoque la censure qui frappe ce texte. Le temps, nécessaire pour révéler le texte et les valeurs traditionnelles porte est peut-être un message d’espoir quant à la sauvegarde de ce patrimoine qui en danger.
Landscape Ink Ice 1A, et 1B 2004-2005 c-print,125x85cm, ed.10, courtesy ifa gallery
Qu’il s’agisse de performances, d’installations ou de photographies, Dai Gangyu utilise l’encre comme médium central de son œuvre ; elle symbolise pour lui la culture de son pays, et cette évocation me semble particulièrement sensible dans ses photographies Landscapes Ink qui étaient aussi exposées au Grand Palais.
Dai Gangyu a peint sur la surface glacée d’un lac en Allemagne deux idéogrammes liés à la notion de paysage en Chine Shanshui (montagne et eau). Figée par le froid la calligraphie s’inscrit avec précision dans la glace, puis avec le redoux du printemps celle-ci se dissipe, jusqu’à perdre sa forme initiale. L’artiste photographie cette performance à différents moments immortalisant ainsi la dissolution de l’encre et du savoir qu’elle porte, savoir perfusé d’ailleurs dans l’œuvre précédente, comme on perfuserait un malade. Il questionne là encore la perte de la culture chinoise, le temps est aussi convoqué dans cette œuvre, mais cette fois il est destructeur, et emporte avec lui les ultimes signes de la culture traditionnelle chinoise. Ces photographies peuvent être regardées comme des vanités, rappelant qu’au delà de la disparition de chaque l’individu – disparition qui paraît plus « acceptable » puisqu’elle est inévitable, c’est la disparition de la culture traditionnelle qui est en jeu. L’encre de Chine, réputée indélébile, ordinairement médium de l’inscription de l’Histoire et de la culture est impuissante devant la menace de la disparition de cette culture, perte beaucoup moins acceptable certainement car elle pourrait (devrait ?) être évitée.
Cette comparaison avec le genre éminemment traditionnel de l’art occidental qu’est la vanité m’amène à évoquer un autre genre traditionnel, cette fois de l’art chinois, le paysage. Comme on l’a vu dans son installation Black Paper ou dans ses paysages photographiés Dai Gangyu tente de retrouver les racines de l’art traditionnel au moyen de sa pratique contemporaine. Les Landscape(s) Ice constituent une métaphore poétique du paysage en constante évolution. Le paysage peint à l’encre de chine, apparaît très tôt dans la culture chinoise, dès le IVème siècle après JC – alors qu’il faut attendre la Renaissance pour qu’il fasse ses premières apparitions dans l’art occidental, est encore pas en tant que genre autonome. Considéré comme la quintessence de l’art chinois, il est pratiqué par les lettrés, et associe toujours des inscriptions qui évoquent l’harmonie entre le monde et l’Homme. Dai Gangyu se réapproprie donc ce lien entre la calligraphie le paysage. Ces photographies, qui mettent en scène les caractères chinois sur un lac gelé, dans une région montagneuse, semblent proposer une explication littérale du terme Shanshui qui signifie paysage par l’assemblage des idéogrammes montagnes et eau.
C’est certainement l’engagement de cet artiste qu’il sait transcrire dans une grande poésie qui m’a touché. Il résonne pour moi comme une lointaine évocation des enjeux politiques et culturels auxquels est confronté le peuple chinois.
Une exposition personnelle de Dai Gangyu est visible actuellement à Bruxelles. Diluted shadows @ ifa gallery • brussels Dai Guangyu,
5 avril – 8 juin 2014
L’ifa gallery été créée en mai 2006 à Shanghai par Alexis Kouzmine-Karavaïeff. Elle présente l’art contemporain en Chine et au-delà. La galerie est également orientée vers le travail d’artistes qui, indépendamment de leur origine, ont une influence ou une association spécifique avec la Chine. L’ifa gallery inaugurera son nouvel espace le 6 décembre rue des Renards à Bruxelles avec une exposition en solo de Wu Junyong.
Alexis Kouzmine- Karavaïeff, qui dirige IFA Gallery (Shanghaï) et Zane Mellupe ont eu l’excellente idée d’organiser, lors de la Art Basel / Hong Kong Art Fair qui se tient actuellement au HK Convention and Exhibition Centre, une exposition sur le thème de la censure dans l’art, « sensor ship 0.46% ».
Cette exposition présente certains travaux des Gao Brothers – que je viens d’évoquer dans mon dernier billet -, de Dai Guangyu, auquel j’avais rendu hommage l’année dernière dans ces colonnes, et de Zhang Dali, qui s’est rendu célèbre jadis en « marquant » certains sites de Pékin en voie de destruction par ses autoportraits « destroy », bombant son profil géant sur les murs à moitié dilapidés de la capitale.
Depuis plusieurs années, Zhang Dali travaille, preuves à l’appui, sur tous les trucages photographiques de l’ère maoïste, et ils sont nombreux, qui relèvent soit de la censure, soit de la propagande, soit des deux ! Objets d’étude et de critique d’un système totalitaire qui n’hésitait pas à tronquer la réalité pour magnifier le culte du Grand Timonier et éliminer ses adversaires.
Zhang Dali n’est ni le premier ni le seul à avoir montrer ces trucages. Son travail a surtout le mérite d’en montrer tous les aspects, non sans humour puisqu’il y a ajouté certains sceaux qui « authentifient » sa recherche.
Alexis Kouzmine-Karavaïeff, il est vrai échaudé par certaines mésaventures récentes avec la censure à Shanghai concernant une des œuvres des Gao Brothers, et Zane Mellupe, co-commissaire de cette exposition, ont posé les mêmes questions aux artistes qu’ils exposent à Hong Kong. Ces entretiens sont diffusés en boucle sur le site de l’exposition. J’ai choisi de donner ici de larges extraits des réponses faites par Zhang Dali à propos de la censure en Chine. Vous me pardonnerez de livrer le matériau brut, en anglais.
La clairvoyance de cette artiste est…aveuglante !
Pour illustrer le travail de Zhang Dali, voici deux images, l’une réelle, l’autre tronquée, avec le Président Mao et son alter ego et futur ennemi Liu Shaoqi, lequel a disparu par enchantement sur la seconde.
Zhang Dali répond aux questions qui lui sont soumises sur une tablette d’ordinateur:
(…) What details do you know about the censorship of art in China?
Actually, I don’t know any details about censorship in China. The censorship system has never been explicitly written down — what works are allowed, what works aren’t allowed — I’ve never set eyes on any such regulations. Maybe they exist in somebody’s mind; maybe they’re in some officials’ heads. They might suddenly get an idea about a piece, and block it from exhibition because it might affect the image of the government or the nation. I don’t know what’s in their heads.
Do you feel the censorship system will become more relaxed in the near future?
I think the regulations might not exist someday; I hope so, but I really don’t know how far off that day is.
What are the pros and cons of the Chinese censorship system specifically? Who benefits in the end?
Nobody benefits. Artists don’t benefit, and the government doesn’t benefit. When the government sets limitations on the artist’s imagination and exhibitions the suppression negatively affects a nation’s culture, and when the censorship system interferes with the artist’s imagination, it ends up hurting his entire artistic career, so no one benefits.
Do you think there should be a system of censorship in any context? Why?
I don’t think there should be any censorship; it shouldn’t exist anywhere. If your works are censored again and again, and you even receive warnings from the government — would you keep going down your own path? Or do you begin to do work the government doesn’t consider sensitive? Each artist is different, but I choose not to change my mind. I will continue to forge my own path for my work; it doesn’t matter if the work can never be exhibited, because I don’t create the works for exhibition, I create them for my imagination. So I don’t mind the censors.
Some artists’ works become more well-known after censorship. Do you think this is positive or negative?
I think this is negative. If artists start making a name for themselves through censorship, then artists will begin to create for the sole purpose of inciting censorship. This kind of work is meaningless; art has its own standards.
Do you think the censorship system is becoming more stringent?
The Chinese censorship system has not become more stringent; actually, it’s the same as it always was. There haven’t been any major changes.
What are you afraid of as an artist?
The most frightening thing to all artists is the absence of creativity and dreams. There comes a point when you can’t think any bigger in terms of space, or come up with any more new and different creations; this is the most frightening thing for an artist.
In your opinion, what kind of art is censored the most?
In China, political art is censored the most; anything related to the government — that’s what the government fears the most. If you paint a flower or a tree, no one cares; but if you truly start to question: is this regulation reasonable? Who are we in this system? What rights do we have? When you touch on these topics your works will most definitely be checked. This is a certainty; I don’t know what it’s like in Europe.
The Chinese government has begun to support contemporary art in China. Is this a sign that they want to control the art market? What do you think?
The market is quite big; it generates foreign currency – the Chinese government is paying attention to the art market because it generates a large amount of foreign currency. Contemporary art has been accepted by society; it’s become a form of philosophy which is continuously transmitted; so the government should start to pay attention to it. The government shouldn’t only pay attention to the market; they should pay attention to artists’ ideas — this is very important.
Has the censorship system affected your work?
It hasn’t affected my work; as I said before, I work in service to my ideas regardless of the censorship system, and my works exist within my own private space. I am able to complete my works; it doesn’t matter how severe the system is.
What role do you think artists play in today’s society?
Artists play the role of thinkers. We want to tell the public how a portion of people within society think.
What does art represent?
I believe artists should represent humanity’s dreams.
Do you speak freely about the government’s censorship system with everyone?
I don’t talk about issues like this because I think the topic is meaningless; It doesn’t affect my creativity. What interests you the most about the topic of artistic censorship? The relationship between the artist and the government — whether it is truly one of enmity. If the government wants to censor an artist’s work, what are their reasons? That’s what I want to know. If the government tells me I can’t do a piece, then tell me the reason.
What is the justification for censoring art? How does it affect society?
Like the example I just mentioned: perhaps the reason is because one person should not violate another’s personal property, or violate another’s dignity – If the reason for censorship is justified, then I will comply with those regulations in the context of the present society and the present time.
What is the reason for censorship of art?
I think they should tell the artist whether they have formal regulations in place or if it’s all based on a sudden fancy in some leaders’ or some peoples’ minds – they don’t like a particular work so they decide it’s harmful to the nation.
Zhang Dali
Zhang Dali’s studio, Beijing
23 April 2013
Crédits :
transcription chinese subtitles: Monica Qu
english subtitles: Fei Wu
part of ifa gallery exhibition “sensor ship 0.46%” at Art Basel | Hong Kong (23-26 May 2013)
Drawing and what? Notes from Shanghai by Anne Murray
Posted on April 4, 2013
It seems rare to see a show of just drawings- the lush efforts of a pencil line across paper or an ink pen, are things I remember from art school, where I learned to appreciate the subtlety of lines across paper, but in contemporary terms, drawing gets the short end of the stick.
Drawing and what an exhibit at IFA Gallery, takes a risk and pushes the ideals of drawing to the forefront, even including pieces that are impressions of images made on paper with invisible lines. How is this possible? Well, we have all drawn on a notepad, torn the page off and seen the impression of what we wrote previously in a white indent. Take this idea and then flip the paper over and you have the works of Zane Mellupe, her drawings are an ingenious mixture of the ideals of printmaking and drawing together, an impression made on paper with a pencil, but without any color at all- a pencil trace drawing. One wants to touch them, press on them, but they are behind glass. Wonderful impressions of cityscapes and figures within these drawings , seem to be traces of something, an echoing of what happened somewhere, conveying a message of investigative inspiration, a need to look further on a path.
Zhu Ye IFA Gallery photo by Anne Murray
Zhu Ye takes another step using wood to draw, or rather using lines in wood made with printmaking tools. She was inspired from learning woodblock printing, and loved the plates themselves and experimented with how the textured lines engraved in wood looked with surface areas painted instead of inked. Are these drawings? Yes, somehow they are, they feel and mimic and justify line as a form that might just come off of the page and burnish you. Zhu Ye explains that in the past she made sculpture, taking inspiration from the idea that line could become physical three dimensional form passing through a room. She has a studio in the heart of M50, former warehouses turned into art galleries and studios here in Shanghai, now the hub of the Shanghai art scene. Upstairs at IFA Gallery, she has some works that are more figurative, lines on paper cutouts of figures in tan, white and black, these are gentle renderings curiously posed and placed next to each other in a suggestive way, although it is unclear what they are suggesting, but there is something there indeed. There is a clean and crisp line and form in these works that are somehow elegant and awkward in the same moment. She is from Shanghai, but studied in the UK and her influences from studying Chinese painting and experiencing contemporary art in Europe, show through. She is also dating Christophe Demaitre, another artist in the show, and there is a relationship in their work as they both use figures shaped through line and subtle colors, but they are quite different.
Christophe Demaitre Unreadable dance 2011 mixed media drawing
Demaitre is from Belgium and his work uses figures over a ground to tell stories, secret ones, it seems. Unlike Zhu’s images, Demaitre paints and draws his figures over a surface of pages from books. He uses black ink to create shadow shapes and flowing lines overtop of these pages as though they are unrelated, one just moving across another, an ant travelling across a page. Demaitre’s work is drawing with fluidity, ink on a background of printed paper. It is familiar, but there is a graphic quality that makes one think of logos at times and at others something more sensitive and natural. His piece, Unreadable Dance, is a combination of gestures almost splashed across the pages of a book, they are just about to move out of the scene in a vivid expression of drawing as a fluid moment attempting to capture the human form.
Wang Xiangdong’s work is traditional in technique, but quite innovative, portraying images of creatures within condoms row upon row. Xiangdong places everything from fish and mice to little people inside carefully drawn lines of condoms. It is a provocative series, nonsensical, surrealist, lush with delicate lines and details, showing yet another facet of the art of drawing.
Wang Xiaofeng Bust series Massage Table photo by Anne Murray
The show includes other artists such as Wang Xiaofeng, who uses cutouts and patterns drawn with ink to create juxtapositions of both materials and form. A particularly amusing image is a carefully portrayed drawing of a massage table, an important part of the Shanghai expat culture, and an interesting form placed in contrast to dotted lines of ink.
This show is a tribute to drawing and all of its potential manifestations in a myriad of materials with a dramatic variation in content.
by Anne Murray
Change in China: a cause for celebration?
Alexis Kouzmine Karavaïeff & Gao Qiang (Gao Brothers) interviews by Chris Paul
Deuxième puissance économique de la planète, mais dernière sur la liste des pays défenseurs des droits de l’homme, la Chine est devenue en 2012 le premier marché de l’art contemporain.
C’est à Pékin ou Shanghai que se décident les cotes des artistes qui sont en train de détrôner Picasso ou Bacon, Andy Warhol ou Jeff Koons.
Qui sont-il? A travers son expo Red Land, Yellow Stars, la galerie Libre Cours à Bruxelles (en collaboration ifa gallery) vous propose de découvrir des artistes chinois dissidents. Les frères Gao, deux enfants victimes de la Révolution culturelle, aujourd’hui blogueurs invétérés et artistes militants, qui dénoncent à travers des photomontages la censure du régime de Pékin. Parce qu’elles brisent des tabous sociaux, leurs œuvres sont interdites en Chine, mais elles voyagent dans le monde entier.
A découvrir aussi, Fan Jiupeng (photo) ou la jeune artiste Li Rui issue de la nouvelle génération, dont les peintures sur coupelles de verre déforment les visages, pour mieux rappeler les distorsions dont sont victimes les citoyens chinois. Volontiers expressionnistes, maniant l’humour et la provocation, les sept artistes représentés ici posent un regard nécessaire et engagé sur les évolutions explosives d’un pays pétri de contradictions, où la liberté d’expression ne rime pas toujours avec le boom économique. A voir.
RED LAND, YELLOW STARS, jusqu’au 20/10. Galerie Libre Cours, rue de Stassart 100, 1050 Bruxelles. (En collaboration avec ifa gallery)
The title of the book Planet Lovigin is apt: Look through the artist’s blog, and it’s likely your head will be spinning. I don’t speak Russian (at least not yet), so I have no idea what that all means. But it’s fairly obvious that Lovigin is happy to create his own little photographic world, combining all kinds of photographic sensibilities that I’m usually used to seeing in different, separate contexts.
The book makes looking at the work a bit easier, especially since there is considerable amount of additional text (in the form of descriptions and/or a conversation between the photographer and Anna-Patricia Kahn), most of it playful, some of it a bit, well… Here’s something: “Lenin is part of Russian history that is quite stupid, quite bloody.” That’s quite right, quite flippant. But these minor quibbles aside, Planet Lovigin offer a very different take on photographic story telling, both in terms of how the individual images were created and in terms of how the photographs are presented and combined with the text.
Given that Russia is often photographically presented as a dreary, solemn place (especially by Western photojournalists), Planet Lovigin offers a welcome, different take, a take that, I’m sure, not everybody will be happy with. I suppose the Loviginian response to that would be: Hey, deal with it, and have some fun! Why not put things on their heads and see what the world looks like that way?
Planet Lovigin, photographs by Petr Lovigin, texts by Anna-Patricia Kahn and Petr Lovigin, 112 pages, Kehrer, 2012
Je reviens à ces quatre caractères, zhi bai shou hei, “connaitre le blanc, préserver le noir”, qui ont rythmé nos après-midi à la HK Art Fair sur le stand de l’IFA GALLERY. Cette citation de Lao Zi qui fait débat. Mais le taoïsme, depuis sa naissance, cinq siècles avant JC n’est-il pas sujet à controverses, de par sa concision, ses multiples interprétations sémantiques qui ne cessent à la fois d’ouvrir des portes et de nous confronter à une incertitude ontologique? Jacques Lacan lui-même était revenu à sa manière sur certains syllogismes, c’est dire.
Tiens, avant de vous livrer quelques conclusions péremptoires sur la HK Art Fair et d’évoquer la dernière action de l’artiste Daï Guangyu, je ne résiste pas au plaisir de vous citer cette histoire attribuée à Zhuangzi, disciple du Maître, merveilleusement traduite par Simon Leys, auquel notre MAO est dédié. ( “In tribute to Simon Leys, who opened our eyes to Mao’s China“).
Zhuang Zi et le logicien Hui Zi se promenaient sur le pont de la rivière Hao. Zhuang Zi observa : «Voyez les petits poissons qui frétillent, agiles et libres ; comme ils sont heureux !» Hui Zi objecta : «Vous n’êtes pas un poisson ; d’où tenez-vous que les poissons sont heureux ? – Vous n’êtes pas moi, comment pouvez-vous savoir ce que je sais du bonheur des poissons ? -Je vous accorde que je ne suis pas vous et, dès lors, ne puis savoir ce que vous savez. Mais comme vous n’êtes pas un poisson, vous ne pouvez savoir si les poissons sont heureux. – Reprenons les choses par le commencement, rétorqua Zhuang Zi, quand vous m’avez demandé “d’où tenez-vous que les poissons sont heureux” la forme même de votre question impliquait que vous saviez que je le sais. Mais maintenant, si vous voulez savoir d’où je le sais – eh bien, je le sais du haut du pont.» (inLe bonheur des petits poissons, lettres des antipodes JC. Lattès).
Il s’avère que mon propre nom chinois, 鱼得乐, yu de le, “le poisson gagné par la joie”, est l’exacte citation mentionnée par Leys. Mais revenons à nos quatre caractères et surtout à ce qui fut, dans cette gigantesque foire, la seule action stimulante, revigorante qui s’y soit déroulé. Daï Guangyü y a mis fin aujourd’hui, avec beaucoup de finesse, avec cette sincérité qui traverse toute son oeuvre, sous la forme d’une cérémonie sans ostention mais non sans tension et sans une certaine solennité.
Vous souvenez des bouteilles, du goutte à goutte, des bols pleins d’eau mêlée d’encre noire, – ce liquide étant, dans l’imaginaire de l’artiste, son propre sang -, de ce papier couvrant le sol sur lequel étaient donc sculptés, grâce à de la farine, les quatre caractères 知白守黑.
Daï a commencé par renverser les bols, déversant une encre devenue tellement noire que l’artiste et ses oeuvres, notamment ses autoportraits, au loin, se miraient dans le liquide répandu. Puis il a concassé les bols à l’aide d’une grande brique rouge, provoquant des jets d’encre et autres dispersions de tessons de porcelaine. Il a ensuite découpé patiemment quatre carrés avant de les rouler, avec la farine, les tessons, et de placer le tout dans quatre bouteilles d’apothicaire virant au noir. Une longue opération suivie avec beaucoup d’attention, de curiosité par un public de plus en plus nombreux. Pour finir, il a rempli les quatre récipients jusqu’à la gueule, les a fermé avec un bouchon de verre, a apposé sur chacune des bouteilles, l’un des quatre caractères, 知,白,持,黑. Il les a alignées face au public avant de saluer celui-ci. Quelques applaudissements ont retenti. Ainsi s’achevait un long cycle entamé sur le stand de l’IFA GALLERY quatre jours plus tôt, un cycle qui aura attiré chaque jour des centaines de visiteurs avides d’informations, de clés, d’explications fournies avec une amabilité sans faille par Alexis Kouzmine, le directeur de la galerie, Zane Mellupe, commissaire d’exposition d’origine lettone, s’exprimant parfaitement en mandarin et en anglais, et par Effie Sue, la jeune manager chinoise polyglotte.
Ce qui m’amène au point le plus positif peut-être de cette foire: son ouverture sur une pédagogie active, touchant d’abord les très nombreux scolaires, les étudiants qui tous témoignèrent d’une soif d’apprendre inextinguible. Ces questionnements traduisent à la fois l’appétit féroce des jeunes chinois pour le progrès, et en l’occurence, leur désir de combler une lacune concernant un domaine longtemps délaissé, en Chine continentale comme à Hong Kong, celui de l’art. Alors, les voilà qui mettent les bouchées doubles. D’autant que la plupart d’entre eux ont entendu parler des extraordinaires “success stories” vécues par la génération de ces artistes chinois passés sous la férule de leur guru et maître, “Lao Li”, le professeur et théoricien Li Xianting. Loin de moi la volonté de réduire ce mouvement à un seul homme et à une seule tendance, celle du “gaudy art”, que l’on pourrait traduire par “art sarcastique”, mais force est de constater que c’est avec ce petit noyau iconoclaste que tout a commencé. A Pékin. D’autres mouvements naîtront ailleurs, notamment à Shanghaï, à Chongqing, à Chengdu mais le noyau dur est bien celui de la capitale et plus précisément d’un village situé près du “Yuan Ming Yuan“. (L’ex Palais d’Eté détruit en 1860 par les troupes franco-britanniques.)
Encore quelques mots sur cette HK Art Fair. Remarquablement organisée, spacieuse, riche en oeuvres de très grande qualité, présentées dans des galeries souvent prestigieuses, elle a fait la part belle à l’Asie, l’Océanie et à ce monde des antipodes cher à SImon Leys. La diversité des propositions artistiques d’un stand à l’autre témoignait de sa richesse. Les accrochages permettaient aux oeuvres de respirer et donnaient lieu parfois à d’étonnantes confrontations. Et plusieurs installations quasi monumentales, ici une série de vitraux de Buren comme un clin d’oeil au Grand Palais, là une trace du travail de fond mené par Ai Weiwei au Sichuan après le tremblement de terre, donnaient plus de sens et de panache à l’ensemble.
Cette foire nous a paru cependant beaucoup trop sage, trop “rangée”. Personnellement, je n’y ai vu aucune fantaisie. L’ouverture fracassante des galeries situées à Central, (évoquée dans “la folie HK”), laissait augurer d’une belle envolée. Rien. Ou si peu. D’ailleurs, l’installation-performance de Daï Guangyu était à ma connaissance le seul “work in progress”. Les bouteilles de bon vin ostensiblement posées sur les tables des stands les plus huppés ou le charriot Veuve Clicquot déambulant sans désemparer dans les allées, accompagné par une vestale perchée sur des talons échasses, n’ont pas empêché la foire de sombrer dans un doux ennui quelque peu lénifiant. Je crains fort que les ventes ne s’en soient ressenties. Point de petits points rouges, ou si peu. La faute nous dit-on à la chute de bourse ici même, à HK, et à la crise mondiale qui revient au galop. Et peut-être aussi à des prix parfois vertigineux. Wait and see.
“Connaître le blanc, préserver le noir”(1)(3): cet adage de Lao Zi, fondateur du taoïsme, pourrait s’appliquer aux événements que la France vient de vivre, qui sait, au nouveau gouvernement, pourquoi pas? En chinois, ces six mots quelque peu énigmatiques deviennent quatre caractères somptueux, charnels, évocateurs de tout un monde, un monde qui forcément nous échappe…Mais rassurez-vous, qui échappe aussi à la plupart des Chinois et des asiatiques à même de déchiffrer cette langue.
Ces quatre caractères, l’artiste Daï Guangyu a décidé de les dessiner au sol de la IFA GALLERY, ( stand 3×4, section Asia One, 3ème étage de la HK Art Fair, un peu perdue parmi des dizaines et des dizaines de stands plus rutilants les uns que les autres, mais le plus souvent désincarnés). Il les a sculpté avec une farine bien blanche, posés sur une grande feuille d’un papier lui-même blanc et épais, tel un tapis de cérémonie.
Daï Guangyu a aussi disposé toute une batterie de bols blancs. A la verticale de ceux-ci – là, votre regard s’élève tout doucement du sol jusqu’au “ciel” – vous découvrez…un tube de goutte à goutte, qui monte, monte jusqu’à des bouteilles distillant un liquide qu’on imagine nutritif. Qui n’a connu, forcé et contraint, cet appareillage post-opératoire? Tout en haut, à haut moins quatre mêtres du sol, une structure légère, quasi invisible, portant les bouteilles soigneusement alignées deux par deux.
Dripping. Souvenez-vous du geste rageur de Jackson Pollock provoquant ce fameux jet de peinture saisi une première fois par la caméra complice de Hans Namuth. Le “dripping” de notre Sichuanais – Daï est né et a longuement vécu à Chengdu, auprès de ses parents, son père, professeur d’histoire ayant beaucoup souffert pendant la révolution culturelle -, ce dripping est précis, maîtrisé. Les bols, initialement remplis d’encre noire, débordent infinitésimalement, invisiblement, le liquide noirâtre se répandant à dose homéopathique sur le papier buvard. Une grande tâche nait. Elle se développera tout au long de la HK Art Fair. Puis les élements ainsi imbibés rejoindront quatre grandes bouteilles d’apothicaire transparentes…Et là, je l’avoue, je ne sais pas encore ce qu’il adviendra, suspense.
Vous l’avez compris, cette installation-performance ne doit rien au hasard. Daï pratique depuis longtemps ces recherches à base d’encre noire, recherchcs qui déjà jouaient un très grand rôle…chez les lettrés de la dynastie Han! (221 av JC / 220 ap. JC). J’ai déjà évoqué certaines performances de Daï auxquelles j’ai assisté. Depuis une vingtaine d’années, d’abord à Chengdu, maintenant à Pékin, il en a fait sa marque de fabrique. Ce sont ces “ink games”, ses “jeux d’encre”….ancrés dans l’histoire millénaire de la Chine, revisités par le monde contemporain, ici l’hôpital qui nous soigne, nous protège et nous tient par un fil, là ces “taches de rorschach” qui prennent la forme d’une carte de Chine, comme celle que Daï inventa, puis photographia au pied d’une des rares portes de Pékin qui marque encore l’entrée de la ville, après que Mao Zedong ait décidé de détruire les remparts de la “capitale du nord”.
Ces photographies, comme l’oeuvre peint de Daï sur du papier de riz, entoure l’étrange installation qui attire de nombreux visiteurs intrigués, posant moult questions. J’ai même espéré un court moment inviter François Pinault à découvrir l’une des oeuvres les plus singulières de la Art Fair, mais celui-ci, à deux pas de la galerie, seul, était scotché à son portable. Dommage.
Daï et Alexis Kouzmine, directeur de ifa gallery, ont fort bien conçu l’accrochage, dans ce stand qui ne mesure guère à peine 30 m2: au fond, les deux portraits de la mère et du père de Daï, deux visages respirant l’honnêteté, la modestie, deux “lao bai xing”, (mot à mot, “les cent vieille familles”, expression qui désigne le Peuple, le vrai), à peine mangés par des petits carrés, la mesure qu’emploie Daï pour construire ses portraits, et qui marquent tout simplement le temps qui passe et nous dévore. Des photographies donc, dans les coins, comme ces miroirs placés jadis pour refouler les mauvais esprits et obtenir un bon fengshui; et puis, en majesté, à main droite, deux autoportraits géants, un de face, l’autre de profil, qui sont, à mes yeux, une autre réussite. Mais les visiteurs, bombardés qu’ils furent par tant de couleurs, de créations “up to date”, chébran et “avant-gardistes”, ces “pauvres” visiteurs happés par d’autres accrochages d’enfer, et souvent, disons-le tout de go, par des oeuvres majeures, ne voient pas ce travail tout en profondeur, en humilité, en finesse. Or je l’ai dit ailleurs et le répète ici, Daï Guangyu, avec sa queue de cheval – ou son chignon, c’est selon – sa barbichette, ce beau visage, son doux sourire, avec cet art puisé aux sources de la civilisation de l’Empire du Milieu, incarne l’éternelle symbiose entre taoïsme et confucianisme.
J’y retourne aujourd’hui, puisque commence ma première séance de décicace concernant notre MAO (Editions Horizons, Londres), ce gros “livre rouge” et son déroulé sans fin d’icônes montrant le culte de la personnalité le plus inouï de toute l’histoire de l’humanité. Ah, notre Grand Timonier, Grand Educateur, Grand Général avait fait fort! J’ai eu le plaisir, hier, de le dédicacer à Samuel Kung, Président du MOCA Museum, (Shanghaï), Kung, Kong, Confucius (2)(3)…Et oui, Samuel, “le roi du jade”, est le descendant, en ligne directe de ce grand philosophe / homme d’état vilipendé jadis par les thuriféraires du “Président Mao”, – souvenez-vous de la campagne “pilin pikong!”, “critiquez Lin Biao, critiquez Confucius!” -, et revenu ces temps-ci en odeur de sainteté. J’ai aussi remis notre “pavé” ( deux bons kilos) à Zhang Xiaogang, présent dans notre ouvrage avec deux portraits de sa série ” Tongzhi”, “camarade”, un mot qui aujourd’hui a pris un tout autre sens, puisqu’il désigne, sans aucune valeur péjorative, les homosexuels. Zhang Xiaogang, que je tiens pour l’artiste chinois le plus talentueux de ce temps, et ce mot est faible. Xiaogang, resté si simple et si chaleureux, toujours aussi timide d’ailleurs, quand d’autres -suivez mon regard – roulent des mécaniques!
Pour finir, ceci: il y a, dans cette foire, un autre lieu magique, c’est la Galleria d’Arte Maggiore, la bien nommée, qui présente d’une part des oeuvres flamboyantes de Sandro Chia, d’autre part de purs chefs d’oeuvre de Giorgo Morandi, particulièrement trois paysages sublissimes, deux de son village, devenu aujourd’hui “le village de Giorgo Morandi” et l’autre de Bologne. Oh, c’est juste quelques pans de mur, juste quelques arbres, un doux zéphir passe entre les branches, presque rien. Il faudrait pouvoir s’asseoir près de ces petites peintures et les contempler tout à loisir, entrer dans cet univers, et ainsi trouver la paix, loin, très loin du tumulte de cette foire extravagante. Morandi et cette lumière indicible qu’il allait chercher au plus profond. Morandi, “connaître le blanc, préserver le noir”. Je veux ici saluer Alessia Calarota et son père, qui m’ont si aimablement reçu sur le stand. C’est au premier étage. (info@maggioregam.com). Morandi, Morandi, Morandi.
(1) Un mien ami, Raymond Rocher, qui enseigne dans une université chinoise de Canton, après avoir été un valeureux attaché culturel, de ceux qu’on aimerait garder, actifs, inventifs…et modestes, bref Raymond le Lettré m’écrit que cette citation est une contraction, comme souvent en chinois, dont le vrai sens serait: “Celui qui connait la lumière mais qui reste dans l’ombre est un modèle pour les autres”. Dont acte!
(2) Un autre ami, mon cher “Dado”, Davide Quadrio, me dit lui que ce n’est pas Samuel mais Richard Kung qui descend de l’arbre de Kong / Confucius…Le pétulant Richard souvent croisé à Shanghaï. Ce que je savais. Là, je suis plus perplexe car Samuel, si j’ai bonne mémoire, revendique aussi cette descendance. Au demeurant, ils sont plusieurs dizaines, voire plusieurs centaines, à se réclamer du grand Ancêtre. A contrario, j’imagine qu’ils devaient raser les murs du temps de la révol cul ( pour paraphraser le titre d’un livre lancé, avec quel fracas pour René Viénet, “Révol Cul dans la Chine Pop”) et du piling pikong…
(3) Un troisième ami m’envoie ce qui selon lui est la citation exacte: 人不知而不愠 不亦君子乎, que je me garderai bien de traduire! J’attends des éclaircissements, toute à l’heure, de Daï Guangyu soi-même. Il m’apprend aussi que Richard Kung – ne pas confondre donc avec Samuel, Pt du Moca Shanghai et “roi du jade”- est Vice-Président de l’Association mondiale des descendants de Confucius. Le feuilleton continue!
La grande valse des espaces de l’art à Shanghai Aéroport de Pudong. Autour de moi, des « taitai » hong kongaises retour au pays bavardent, téléphonent – « eh, Lingdao ! » (eh, Chef !) s’éventent avec leur éventail en attendant le départ. Sur la route, j’ai aperçu, dans la brume matinale, les futurs hauts lieux de l’art : côté Puxi (la vieille ville), la très haute cheminée du Musée d’Art Contemporain de Shanghai, musée municipal, – ne pas confondre avec le MOCA musée privé dirigé et financé par Samuel Kung, « roi du jade » et descendant en ligne directe de Confucius.
Non, ce nouveau musée a d’autres ambitions. Il occupera donc ce lieu immense, qui fut, le temps de l’Exposition Universelle, le Pavillon du Futur, une scénographie époustouflante signée François Confino, avec Carmen Bueno. Il sera dirigé par « Lao Li », Li Xiangyang, ancien patron du Musée des Beaux-Arts, avec lequel nous avions travaillé « la mano en la mano » pendant toute l’année de la France en Chine, avec Les Impressionnistes, l’expo du Centre Pompidou et quelques autres. Ce musée d’art contemporain couvrira la période allant de 1980 à nos jours.
De l’autre côté du fleuve Huangpu, à Pudong, le futur Musée des Beaux-Arts, actuellement situé dans l’ancien jockey-club, investira les espaces de l’ancien Pavillon de la Chine de l’Expo Universelle, soit plus de 70.000 m2. Aussi vaste, sinon plus que notre Centre G.Pompidou ! Il sera dirigé par le peintre abstrait Li Lei, qui mène sa barque avec beaucoup de diplomatie.
Il se murmure aussi que le Musée Minsheng, que j’ai évoqué dans mon dernier texte, (« A Shanghaï : l’expo coup de tonnerre de Ding Yi »), fermeraient ses portes sur l’avenue Huai Hai, pour devenir un complexe pour le moins sophistiqué, ouvert à de multiples partenaires chinois et étrangers, non loin du musée d’art contemporain.
Je n’oublie pas un autre projet pharaonique, lancé par le très ambitieux Dai Zhikang, patron du groupe Zendai, milliardaire originaire de la province du Jiangsu, dont la fortune s’est constituée dit-on à coup d’achats de terrain à Pudong, qui a fait plancher l’architecte nippon Isozaki. Résultat : un « monstre », nommé Himalayas (Shanghai Himalayas Art Museum), composé donc d’un musée – Dai, fine mouche, a constitué une vraie collection d’art contemporain ces dernières années -, de salles de spectacles, d’un hôtel de luxe, d’une galerie marchande, situé(s) à Pudong, non loin du Parc du Cercle.
Et puis, vient de s’ouvrir la nouvelle galerie Madga Danysz, 800 m2 d’un seul tenant, belle lumière, ancien entrepôt remarquablement restauré, à un autre bout de la ville, dans le district de Yangpu, au nord-est, non loin du Huangpu, du quartier des universités, du parc Lu Xun et de l’ancien quartier juif et européen. Elle vient d’y présenter le travail in situ de Vhils, un brésilien ( de mémoire) bourré de talent, qui travaille…au marteau piqueur sur les murs à l’entour, concoctant des portraits géants qui, si je puis dire, « tiennent la route ». Il intervient aussi sur des panneaux de bois, des pièces de métal, relisant ainsi l’espace urbain et son histoire. Vhils est le cousin germain d’un autre artiste urbain, Zhang Dali, qui est aussi d’ailleurs chez Magda.
Simplement, à propos de Himalayas et de la MD Gallery, je me demande si leur situation ne le placent pas tout de même en dehors de la boucle actuellement en voie de constitution. Laquelle inclut encore pour quelques années Moganshan lu, au nord-nord ouest, près de la rivière Suzhou, où l’on peut toujours faire de belles découvertes ou revisiter ses classiques – c’est ainsi que Steven Harris / M 97, la meilleure galerie photo de Chine, disons-le ! –expose actuellement de superbes tirages de Michael Kenna, les uns sur Huangshan, les autres encore plus beaux, encore plus originaux, sur l’île d’Hokkaido l’hiver. Sublime. (je pèse ce mot).
Chez Lorenz Helbling / Shanghart, Shen Fan, « l’autre » grand peintre abstrait avec Ding Yi, s’éloigne de son domaine de prédilection et s’ouvre à un art plus conceptuel, avec Landscape 9210. J’y reviendrai.
Toujours à Moganshan Lu, je ne manque jamais de visiter Eastlink Gallery, dirigée par Li Liang, dont j’aime tant le sourire et qui fait depuis des années vrai travail de galeriste, honnête, souvent visionnaire. www.eastlinkgallery.cn D’autres bonnes surprises vous attendent aussi à Vanguard Gallery, à Ofoto et à OV Gallery, dirigée par Rebecca Catching. ( Actuellement : Abstract expressions.)
La boucle se poursuit avec, au nord du Bund, le fabuleux lieu qu’est le Rockbund Art Museum, bâtiment des années 20, restauré avec grâce, qui appartient à un jeune milliardaire du Hunan. Un homme de goût. Chacune de leurs expositions est un must. La dernière, intitulée Model Home, une proposition de Michael Lin, ne fait pas exception. ( voir mon prochain texte). De plus, le Rockbund développe en parallèle des actions à haute valeur éducative et sociale, chapeau !
Cette boucle se poursuit avec la Pearl Lam Fine Art Gallery, du nom de cette dynamique – le mot est faible ! – milliardaire originaire de Shanghai et de Hong-Kong, qui a investi une ancienne banque sur Jiangxi lu. Pearl, après quelques tergiversations, a trouvé son tao. Actuellement, elle frappe un grand coup avec l’artiste conceptuel Lei Hong. Cela s’appelle « Non-geometric Study ».
Puis vient, la galerie du 18th On the Bund, dirigée hier par Madga Danysz, et hop, voici une toute nouvelle direction. Mian Mian, la « scandaleuse » romancière et ex-reine de la nuit (souvenez-vous du ramdam avec ses « bonbons chinois »), en serait la grande prêtresse. L’expo actuelle, une demi douzaine de jeunes, la trentaine, la quarantaine, surprend. Personnellement, j’ai particulièrement aimé l’installation, sous la forme d’une salon abandonné, de ce qui à mes yeux s’apparenterait à un bel hommage en trois dimensions à Giorgio Morandi…que ma jeune et charmante guide ne connaissait pas.
Incontournable: la Shanghai Gallery of Art, dirigée de main de maître par Mathieu Borysevicz. S’y déploie actuellement une expo de Xu Bing, qui dirige à Pékin l’Ecole Nationale des Bx-Arts, après avoir longuement séjourné à NY. Xu Bing, toujours à la marge, qui joue ici avec toutes les icônes qui nous bercent inconsciemment, nous indique le chemin, nous délivrent de langues inconnues, hommes / femmes, circulez, toilettes, passage clouté, haut / bas, j’en passe et des meilleurs. Il a même fait un livre, un roman tout entier composé avec ces codes, ce braille pour les voyants que nous sommes.
Ah Xu Bing, voilà que tu fais dans l’understatement, après avoir fait dans l’underground, toi qui jadis mis en scène deux cochons en rut, un “hénaurme” goret et une truie en chaleur, l’un couvert de caractères chinois bien noirs, l’autre de caractères latins, ou bien était-ce le contraire, le tout sur un “lit” immense de livres divers et variés, grand ouverts, des dizaines et des dizaines, avec leurs différentes graphies, immense ring entouré de bottes de paille et d’une barrière, derrière lesquelles se tenait une quarantaine de spectateurs ébahis par les cris stridents, insupportables des deux porcs, le mâle ô combien dominant montant sa dame après une rude et rapide approche. Et ils baisèrent à qui mieux mieux.
Que pensèrent ces jeunes chinois branchés d’alors? Nous étions je crois au printemps 1993, dans un ancien entrepôt, au centre de Pékin. Toute la génération des artistes devenus souvent aujourd’hui célèbres et richissimes était là, venue de leur village près du Yuan Ming Yuan. Dans les rares images prises lors de cet événement pour le moins provocateur – pourtant, à notre grande stupeur, nous ne vimes aucun policier, il se peut que le statut de Xu Bing, résidant alors à NY ait joué -, j’aperçois encore le visage de l’ami Liu Wei, et son sourire énigmatique…A ce spectacle inoubliable ( j’entends encore les “hurlements” de ces deux cochons de cochons!), nous étions deux étrangers…
Et donc, cette boucle va bientôt se ponctuer, en majesté, avec les deux futurs musées, municipaux quant aux financements, mais nationaux quant au rayonnement, où se déroulera d’ailleurs, dès le 1er octobre, la prochaine Biennale d’Art Contemporain, qui devrait être retentissante. Les musées seront-ils prêts ? Les paris sont ouverts. Des caisses de champagne sont en jeu, « zhende », vraiment !!!
J’aurais mauvaise grâce à ne pas évoquer trois autres galeries amies. Celle tout d’abord que dirige le jeune et talentueux Alexis Kouzmine : IFA GALLERY, occupe, au 621, Changde road ( au coin de Wuding road), une belle demeure des années 20. IFA-GALLERY.COM. Alexis y présente actuellement plusieurs artistes qui flirtent avec le conceptuel et la performance. Il y a là des œuvres de Dai Guangyu, que l’on retrouvera dès demain sur le stand de la galerie à la HK Art Fair, stand sur lequel je signerai notre MAO ( j’en suis le co-auteur avec le photographe Guy Gallice), chaque jour à 14h ; du 17 au 20 mai. Dai, l’un des meilleurs « performers » chinois, originaire de Chengdu où j’ai fait sa connaissance jadis, incarne à mes yeux à la perfection l’équilibre historique entre confucianisme et taoïsme. Il cultive d’ailleurs cette double appartenance et apparence, avec son visage émacié, sa queue de cheval et sa barbichette ! Je me souviens d’une de ses performances : il était suspendu dans les airs, les pieds pris dans une corde en vrille, tout de blanc vêtu, et soufflait sur le sol, recouvert de papier blanc…la plus belle encre noire !
Terriblement moderne me direz-vous. Oui, et l’on pense on empreintes de Klein et autres iconoclastes. Mais pas seulement : par ce geste, Dai Guangyu, renvoie explicitement à ces « artistes fous » des dynasties Song et Tang, qui peignaient par exemple avec leur chevelure à même les murs d’un palais, un soir d’ivresse. Ils sont restés dans l’histoire de l’art et de la civilisation chinoise. ( Pardon pour ce rappel immodeste : j’y avais longuement fait allusion dans l’ouvrage que nous avions, avec Hou Hanru et Bernard Marcadé, consacré à Yan Pei-Ming, Fils du Dragon. Mon texte s’intitulait Les derniers mao.)
Le seconde galerie se situe tout en haut de la rue Fuxing, ex rue Lafayette : c’est le Elisabeth de Brabant Art Center. Une galerie en colimaçon qui ne manque pas de charme. (299, West Fuxing road).
Enfin, la plus petite d’entre elles, mais non la moins active, Beaugeste Gallery ( 210 Taikang road, bldg 5, space 519, près de la rue Ruijin, info@beaugeste-gallery.com, www.beaugeste-gallery.com). L’ami Jean Loh, excellent connaisseur ès photographie, rencontré jadis au festival de Pingyao, commissaire de nombreuses expositions importantes dont celle, qui tourne actuellement en Chine de Marc Riboud, Jean qui intervient au festival de Dali organisé par un autre ami, le photographe Bao Lihui ( que j’avais présenté à Nice en 2000, lors du septembre de la photo avec 12 autres photographes chinois, on y croisait aussi les œuvres d’un certain Thierry Girard), Jean présente actuellement des images qui me sont chères.
Certaines figurent d’ailleurs dans Le Mao (Le Rouergue) et dans MAO (Horizons Editions). Il s’agit de photographies « volées », durant la « Révolution culturelle » par le jeune photographe de propagande qu’était à l’époque Li Zhensheng au Heilongiang ( au nord de l’ancienne Mandchourie). Ces images d’anti-propagande, cachées d’abord sous une lame de parquet, furent appréciées à leur juste valeur par Robert Pledge, dit « Bob », fondateur-directeur de Contact Press Images. Il en fit, chez Phaidon, un livre d’exception : Le Petit Livre rouge d’un photographe chinois.
Le fait de pouvoir montrer de telles images à Shanghaï aujourd’hui en dit long sur le changement des mentalités en cours. Bravo Jean ! L’expo s’intitule : Winds and clouds. Un petit catalogue fort bien imprimé accompagne l’expo. Les prix des tirages, qui oscille entre 2500 et 3000 €, sont à l’avenant. Mais Jean Loh a certainement raison de parler, à propos de Li Zhensheng, d’un photographe de génie. De clairvoyance et de courage aussi.
Il est temps de plier bagage et de se préparer à la ronde des premiers vernissages, prélude à la HK Art Fair : celui de la Pearl Lam Fine Art Gallery, Pearl ouvre à la fois un nouveau lieu et une expo consacrée à huit peintres chinois abstraits. L’air du temps. Un autre vernissage en vue : celui de Hanart TZ Gallery, dirigée par Johnson Chang et Veronika Li…Je vais y retrouver à la fois deux jeunes amies, Cara et Celine, les « Shanghaï Twins », évoquées l’autres jour, et deux autres sœurs beaucoup plus célèbres, Catherine et Marianne Lamour, venues en Chine pour le tournage d’un grand film documentaire qui devrait décoiffer ! A suivre !!!
In between at ifa gallery
Reviewed on: Thursday, 26 May 2011
We are torn between two eternities. Awaiting us at the end of our timeline is either salvation in heaven or demise in hell. Every step we make leads us closer and closer to one of these after lives. Sometimes we can experience a portion of these eternities in our conscious and unconscious life. Brief feelings of euphoria from seeing a loved one resembles heaven. Watching death and pain surround you in a warzone feel like stepping into hell. Life’s decisions guide us toward one of these fates. Our progress in life leads us further from one and dangerously closer to the other. The question is, which is awaiting us in the end, heaven or hell? Have we already arrived?
ifa gallery is a four story old British house stationed on Changde Road. Behind the doors are layered the depths and dreams of reality. Each room represents an idea of either life or the afterlife. The hallways act as a transitional state between these. Entering through the wooden door, you are given three choices. Do you turn left and enter ‘the World,’ turn right and enter ‘Sin,’ or continue straight and dive deeper into the unknown?
‘The World’ consists of the works of Shanghainese photographer Zhang Xianyong. One of the surprising features of the room it’s in is the flooring. Instead of the traditional carpet or tile flooring the ground is made up of grass. This feature is not part of the exhibit. It is one of those unique traits that define IfaGallery.
(1)
All of Zhang’s work is an extension of himself. In each of his photographs all the actors are the same person, himself. This can be simple, such as Geminate Flower(1) where Zhang is a devil on the left and an angel on the right blooming out of a flower composed of hands. This shows the duality of the artist’s nature.
His other works are far more complex. In Memory he plays sixteen different roles; each character a different age, social class, and gender. Incorporated in each photo are traditional Shanghainese themes. The three on the cycle in the center of Memory are wearing the traditional uniform for the Navy. This look has become popular with the Shanghai and Chinese youth, similar to how American youths wear camouflage shirts and pants. The red silk scarves they are adorned with are part of the mandatory school uniform during the artist’s childhood. All the characters have the traditional Shanghainese face make up of rosy red cheeks and thick eyeliner.
Across from ‘the World’ lies the culmination of the city’s sins. Lying on the floor is bear skin rug in the shape of a human. This piece entitled, Trophy and the target practice silhouette etched in granite called Moving Target(2) are from the mind of Zane Mellupe. These represent the dehumanization our sins bring upon us.
(2)
Along the east wall hangs the dark works of Chen Weide. His three piece series KTV shows the hidden part of Shanghai behind closed doors. The faces are blurred and unrecognizable. Deep, dark browns and reds show misery, destitution, and misplaced lust. Each painting represents a broken life filled with apathy. Sins with regrets.
Split in the corner is Man Ting Fang – The Fragrant Garden of Beauties. This painting acts as the magnum opus to the three KTV paintings. Two men lay on couches in a private, dark red room surrounded by beautiful women in golden dresses. On the table is enough alcohol to bathe an elephant. The golden dressed vixens resemble fallen angels from grace, nothing but beauty and decadence. Every character is looking off in the distance, staring toward an intangible escape from their decrepit ways. There are three things that can destroy a man: alcohol, woman, and gambling. All three are present in this devils hideout. On the north wall is a long scroll inscribed with the sins of our generation. On top of the scroll is a pen for you to add your own.Lastly the east wall holds a strange, out of place, piece. Xu Yihan’s ‘Giving up on Love’ is a woman’s delicate face painted with soft light colors. Staring directly at the painting, the face almost appears faded as if the woman is a fading memory. Under her left eye is a barely noticeable tear. Maybe sins aren’t all those dark evils that we think of. Maybe not pursuing a love that should have been is just as great a sin.
After escaping the sins, you make your way to Purgatory. The small hallway houses two more pieces by Zane Mellupe, Guilty and Not Guilty(3), and ‘Looking for Love’ by Xu Yihan. At the end of the hallway is a two image hologram of a woman. ‘Judgmental Gesture’ is a cardboard cutout mirage from German artist Roland Darjes. From one angle it is a Chinese woman in a floral patterned kimono with her eyes closed. From another angle she is staring back at you with warm eyes. He describes it: “’Judgmental Gesture’ is about being noticed as a person. The first second you come in a room; somebody sits across you in the subway or just passes you on the street. There is only one moment given to you before you are categorized by the people around you. It can be really decisively intense, like love or hate. And this moment for me is like going through purgatory; and then it is gone.”
(3)
Ascending the first set of stairs leads you to the 10 commandments by German artist Christin Kalweit. Lining the walls are depictions of the 10 holy commandments found in Chapter 20 in the book of Exodus. Each is displayed in a lit box representing an individual commandment. The people in the picture are blurry and the only color is red. They act as a warning. The picture displays the ramifications of breaking these commandments. As an added bonus, there is the unofficial 11th commandment: love your neighbor as yourself. Since this one didn’t make it down the mountain it isn’t considered canon. This commandment differs from the rest. The primary colors are white and grey with a little red added in. On the wall is a chalkboard with some spare chalk. Listed are the commandments that should be part of our world today. Similar to the Sin List on the first floor visitors are encouraged to write down their thoughts. Some notable ones are, ‘Thou shalt know thy heart’ and ‘Thou shalt live fully your life with as little mess behind you.’
Up one flight of stairs brings you to ‘the Heaven.’ During the day the light seeps in through the thin curtains onto the paintings. The room contains an old fireplace and wooden mantle. All these things mixed in with the rustic atmosphere of it all makes the room reminiscent to a childhood fairy tale or a dream or a simple form of heaven.
On the east hangs only one piece by Dai Guangyu. The portrait is a looks to be taken from a boat in the middle of a vast lake. In the background forest and mountains spread across the land with the soft white clouds looming above. This piece was created by combining ink and color on xuan paper, cutting it up into tiny parts, and then resembling it back onto a canvas. The other paintings are from female Shanghainese artist Zhu Ye. These six paintings are part of her ‘Floating’ series. Each one depicts a man or woman effortlessly floating along the cool blue water. The characters appear at rest, one with nature and him/herself. The series go on the body of water becomes larger. Floating 6 shows a man adrift in the sea with nothing but his thoughts.
At this point we’ve seen it all, well, almost. The only room left is the deepest darkest places of the human soul. The fourth and final floor contains the manifestation of the sum of our evils. Venturing toward this unholy ground one feels doubt about entering. The final stairway is known as Doubt and contains two pieces. A colorful design hangs on the wall. The piece was created by Deng Yu. On the corner of the stairs is Please tell me a story(4) by Zane Mellupe. This installation is a large wooden door containing multiple doorknobs on each side. It is created from old machinery parts and wood. There are some missing doorknobs on both sides. These represent the stories lost to time, never to be told again. Both sides of the installation have door knobs showing that stories can enter you into a new world or have others join yours.
(4)
Now we enter into the darkest reaches of ourselves, the Hell. The devilish works are the efforts of Shao Shao and Liu Bo. Spread throughout the west wall hangs the ink drawings by Liu Bo. These drawings from the young artist are from his ‘Tearful Comedy’ series. Each one shows the dark humor behind death. For example, Tearful Comedy 2 has a baby in utero under the spot light of a stage. The stage is decorated to look like old Victorian style houses with a patch of forest separating them. This scene may be highly offensive to those looking at it as an analogy for abortion. Upon further inspection the artist is trying to say that we are born on this stage, that our whole life is a play and only in death are we done being actors.
Liu Bo describes his series as “Human, comes alone to the world to play a proper ID of his own. Sometimes there is no audience when you perform, but you are still trying. Encompassing the rest of the room are the mixed media works of Shao Shao. On each corner are highly descriptive black and white photos of Caturmahārāja, the Four Great Kings. According to early Buddhist teachings, these four occupy the four directions: Dhṛtarāṣṭra of the East, Virūḍhaka of the South, Virūpākṣa of the West, and Vaiśravaṇa of the North. The north wall plays a black and white video installation made by Shao Shao. The eerie images depict his interpretation of the Buddhist cycle of death. The center of the room hangs large fabric installations similar to traditional Peking opera gowns. Imprinted in silver are transcendental imagery of the Buddhist afterlife. So ends our journey through Hell, Doubt, Heaven, and Purgatory. We stand near the entrance caught between one last choice. To the right the World, to the left Sins, and in front of us the wooden door that began us on this voyage. Between the World and all its Sins we open up the door and venture out into the vast unknowns.
Moganshan Lu? Been there, seen that. The new vegetable market-turned-art street to check out is Yongkang Lu
By Hunter Braithwaite
Alexis Kouzmine-Karavaïeff, ifa gallery director
Yongkang Lu is a stronghold of old Shanghai, a grimy love letter to how things once were, replete with underwear dangling like prayer flags. It is also the home of several galleries recently opened by Zane Mellupe, a Latvian artist and curator.
The Yongkang Lu art project strives for interaction between the arts community and the locals, and, unlike so many other creative initiatives in Shanghai, this one actually seems to be working.
Zane Mellupe, Latvian artist and curator
“I wanted something new. Art is accessible to so few people [in Shanghai]. I thought about creating a residency space for foreign and upcoming Shanghai artists and to give a chance to the minorities,” says Mellupe, the former creative director of island6, of how her Yongkang Lu project began.
So she began talking to developers on Yongkang Lu, a former vegetable market that was slated to become a fashion street. “Instead of one space I decided that I should get more. The developers trusted me. I just had No. 83 in the beginning though; the landlord said I could use it for one month. Now it’s a coffee shop.”
As the galleries opened one after another, the neighborhood began to feel different. It was livelier than before, with the locals taking a genuine interest in the art. Normal questions of gentrification — so common in other parts of the city — do not apply because most people own their apartments.
“The locals say, ‘oh it’s good you’re doing this.’ It attracts people to existing businesses,” says Mellupe.
But an intrusion, even one for art’s sake, doesn’t go unnoticed.
“You don’t want to offend or intimidate the local people. We had to have a meeting about putting in an air conditioner because we didn’t want to disturb the woman upstairs.”
These factors also affect Mellupe’s curatorial mission. She displays the work of local artists, some of whom are untrained.
“We’re planning a show with local performers. I want to take an ayi off the street to talk about art. The idea is interaction,” says Mellupe.
I wanted something new. Art is accessible to so few people [in Shanghai]. I thought about creating a residency space for foreign and upcoming local artists, to give a chance to the minorities.
— Zane Mellupe, brains behind Yongkang Lu gallery development
Interaction
There are often people outside of No. 64, staring through the windows at Constantin Bayer’s installation, “The Rise of No Revolt.” The German artist makes art that comments on the interchange between locals and cultural implants.
Local culture inspires Bayer. “The Shanghainese energy is attractive. If the Starbucks come in, it’s hard for the artist. When local culture goes, the art goes too. It’s just not interesting.”
Another district
Alexis Kouzmine Karavaïeff, the director of IFA Gallery, stands in front of a Liu Bolin photograph on display at “Fist” in No. 59, which he temporarily rented from Mellupe. Karavaïeff is a fan for the street and its direction.
“There is big potential here. I believe in Yangkang Lu, and in the work that Zane is doing,” he says.
“Yongkang Lu doesn’t need to be full of galleries, maybe five maximum.” This will develop the street, but still leave room for the local community he says.
Most importantly, “there’s still a contrast between local and foreign. But this street shows that you don’t have that on the Bund [for art],” says Karavaïeff.
Things are still developing, but Yongkang Lu promises to be another stop on the Shanghai art circuit, one that thrives on much-needed communication between galleries and artists, and artists and the communities they exhibit in.
Vai “Zane Mellupe” ir fikcija vai mākslas projekts? Tieši tādu jautājumu neviļus gribas uzdot pēc sarunas, kuras laikā māksliniece aizrautīgi stāsta par saviem pseidonīmiem, izdomātām identitātēm un prāta ceļojumiem. Protams, es ticu visam, ko viņa saka, tāpat kā lasītājs tic labi izstāstītam stāstam.
Zane Mellupe, kā man izdevās viņu iepazīt viņas viesošanās laikā šīgada sākumā, ir dzimusi Rīgā 1981. gadā. Ķīnā dzīvo kopš 1999. gada. Toreiz vēl kā Latvijas Universitātes sinoloģijas studente viņa ar Ķīnas Tautas Republikas piešķirto stipendiju devās uz Šanhaju, un racionālu apsvērumu dēļ – ka sinoloģiju vislabāk var apgūt tikai Ķīnā – Zane mājup braukšanu nolēma atlikt. No 2004. gada Zane mācījās arī Londonā, kur 2007. gadā ieguva maģistra grādu fotožurnālistikā un dokumentālajā fotogrāfijā, un ceļš atkal veda atpakaļ uz Ķīnu. Pašreiz viņa ir fotogrāfe, māksliniece un kuratore, kas, brīvi cirkulēdama laikmetīgās mākslas globālajā asinsritē, realizē daudzpusēju un aktīvu mākslas praksi, kur “smalka un jūtīga dvēsele” iet rokrokā ar “asu, apsviedīgu prātu”.
Zane strādā gan individuāli, gan multimediju mākslinieku grupā Liu Dao, kā arī pēdējos trīs gadus pilda radošā direktora un rezidenču programmas vadītājas pienākumus Šanhajas mākslas centrā island6, ko 2006. gadā bijušajā industriālajā kvartālā dibināja Tomass Šarverjā (Thomas Charvériat). Pēdējais viņu kopīgi rīkotais mākslas projekts – izstāde “Faķīrs”. Tās atklāšanā piedalījās ne tikai mākslinieki, bet arī masieri, daoistu zīlnieki, iluzionisti, burvju mākslinieki un ielas nūdeļu cepēji ar apsūbējušiem koka ratiņiem – sabiedrības grupu pārstāvji, ko nav ierasts satikt mākslas galerijā citādi kā vismaz zem šiltītes performance by.
Zane Mellupe: Mākslas telpā mēs parasti nerēķināmies ar to, ka būs jānovelk apavi un kāds mums griezīs nagus un izmasēs pēdas, vai ne? Uz šo procesu var skatīties kā uz mākslas darbu. Veidojot izstādi, gribējām noskaidrot, kas tad ir faķīrs mūsdienās. Tradicionāli tie ir vientuļi, askētiski dzīvojoši mūki, bet Rietumos šo jēdzienu bieži asociē ar burvi vai vismaz cilvēku, kam piemīt pārdabiskas spējas. Šī izstāde arī ir par pārcilvēcīgo – tiešā un sarkastiskā nozīmē. Faķīri ir visur, it īpaši Ķīnā, kur ir tik daudz kontrastu. Piemēram, cilvēki, kas veic plastiskās operācijas: lielas krūtis, mazas krūtis, lielas lūpas, mazas lūpas… Vienstāva mājas drūp, daudzstāvu mājas aug; šodien parks, rītdien – jau stāvlaukums, šodien daudz naudas, rīt – nemaz nav naudas. Tik daudz ilūziju.
Zane Mellupe. Tēvs. No sērijas “Atrastā ģimene”. 2008
Jana Kukaine: Vai saskati paralēles starp faķīru un mākslinieku mūsdienās?
Z.M.: Vai mākslinieks var atļauties vientuļnieka dzīvi? Nē, ja viņš vēlas pārtikt no savas mākslas. Pašlaik milzum daudz laika jāvelta, strādājot pie PR. – ja ir vēlme celt savu komerciālo vērtību un nav galerijas, kas to darītu tavā vietā. Taču faķīra cienīgu askētismu var saskatīt citā aspektā. Man māksla ir prāta ceļojums (mind trip). Mākslinieks Tino Segals (Tino Sehgal) reiz galerijas apmeklētājiem piedāvāja maisiņu, no kura varēja izvilkt vienu lapiņu. Uz tās bija rakstīts, piemēram, “zilonis”. Tas arī viss. Šis “zilonis” pieder tev. Tā man tīk domāt par konceptuālo mākslu – kā par netiekšanos kaut ko fiziski paturēt.
J.K.: Izklausās pēc “mākslas darba dematerializācijas”.
Z.M.: Jā, mākslā svarīga ir ideja. Lai ko es darītu, man jāzina, kāpēc es to daru. Apstaigājot Rīgā vairākas mākslas galerijas, es secināju, ka te, līdzīgi kā Ķīnā, dominē nosliece uz tīru, nepamatotu vizualitāti. Labi, tas varētu būt, ka “es to tā jūtu un necenšos saprast, ko es gribu pateikt”. Tas arī būtu komunikācijas veids, ja būtu zināms skaidrs pamatojums, kāpēc ir tieši tā. Var būt, ka mākslinieks vispār negrib komunicēt. Arī tā ir labi, bet es gribētu zināt, kāpēc viņš ir izvēlējies tā rīkoties. Vismaz no sevis es vienmēr prasu paskaidrojumus.
Mediju izvēle pati par sevi vēl neko nenosaka. Man patīk eksperimentēt, un šajā ziņā Ķīnā ir brīnišķīgi, jo te paveras bezgalīgas iespējas. Tāpēc pašreiz turp dodas strādāt ļoti daudz mākslinieku no ārzemēm. Ķīnā var droši spēlēties ar materiāliem, izejvielām, modeļiem. Droši vien tas izklausīsies lecīgi, bet es teiktu, ka Ķīnā nekas nav neiespējams.
Ja ir cilvēki, kas kaut ko var izdarīt labāk nekā es, piemēram, tēlnieks, tad es iešu pie viņa ar savu skici un viņš man uztaisīs bronzas skulptūru. Bet ir ārkārtīgi svarīgi minēt šī tēlnieka vārdu! Tas ir jautājums par to, cik patiesi mēs varam būt savās fikcijās. Man nav pieņemama situācija, kad fotogrāfs ir uztaisījis bildi ar baletdejotāju un man nav zināms, kā šo baletdejotāju sauc. Tas ir baigais ego kults, un tas nav godīgi. Mākslā pastāv ētikas kods – tas, starp citu, ir uzrakstīts Francijā, un Francijas mākslinieku arodbiedrība zem tā ir parakstījusies…
J.K.: Kas ir tā autori?
Z.M.: Tas nav būtiski – jo likumi attīstās no kopējas pieredzes. Pasaulē ir vairāki mākslas nolikumi. To, uz ko atsaucos es, ir veidojusi Francijas galeristu komiteja kopā ar māksliniekiem. Ar šo nolikumu mani iepazīstināja viens no ievērojamākajiem pasaules galeristiem – Mišels Dobervils (Michel Dauberville). Es ļoti ceru, ka, apzinot Ķīnas īpatnības, arī Šanhajā būs cilvēki, kas centīsies to praktizēt.
J.K.: Šķiet, tradīcija zem mākslas darba rakstīt tikai mākslinieka vārdu varētu būt saistīta ar mītu par mākslinieku kā radošo ģēniju. Kā gan ierindas tēlnieks vai baletdejotāja spēj ar to sacensties!
Z.M.: Reizēm tas patiešām nav svarīgi. Viss atkarīgs no tā, kādā līmenī noris komunikācija dažādu nozaru pārstāvju starpā mākslas darba tapšanas brīdī. Un kāpēc lai mēs nebūtu konsekventi un nenorādītu otu ražotājus? Triepienam taču ir liela nozīme. Arī krāsas agrāk uzjauca paši mākslinieki. Centrā island6 mēs strādājam ar inženieriem, skaņu tehniķiem, arhitektiem, dizaineriem, komponistiem, mehāniķiem, stikliniekiem, taksidermistiem… un viņu klātbūtne mākslas darbu tapšanā ir ļoti būtiska. Šajā ziņā perfekti ir filmā iesaistīto speciālistu saraksti titros, kur nosaukts ikviens, kurš jebkādā veidā ir piedalījies filmas tapšanā.
J.K.: Cik cieši ir tavi kontakti ar Latviju?
Z.M.: Šis brauciens bija lieliska iespēja uzzināt, kas Latvijā notiek ar galerijām un mākslu. Cenšos apzināt sadarbības iespēju, lai izveidotu izstādi par Latvijas videomākslu. Es uzzināju daudz ko labu: tas, kas notiek Mākslas akadēmijā, “kim?”. Šeit ir daudz gudru, apdāvinātu, izglītotu cilvēku. Taču Latvijas mākslinieki par sevi daudz nerunā, bet runāt vajag. Stāstīt un pat sacerēt skaistas pasakas! Vajag sevi piedāvāt – dokumentēt, pierakstīt un apziņot medijus, it īpaši elektroniskos, jo tie ir kļuvuši pat svarīgāki par papīra medijiem plašās publikas pieejamības dēļ. Neviena komunikācijas platforma nav tik slikta, lai to noniecinātu! Jebkura reklāma ir labāka par nekādu reklāmu. Runājot par galerijām, man radās sajūta, ka internacionāli visaktīvākā ir “Rīgas galerija”. Būtu skaisti, ja Latvijas mākslinieku pārstāvniecība lielajos mākslas notikumos kļūtu pamanāmāka, bet tas iet roku rokā ar mākslas tirgus attīstību. Ir ļoti būtiski stimulēt patstāvīgu mākslas tirgu, ceļot darbu komerciālo vērtību pasaules tirgū. Man liekas nepieņemami, ja galeriju darbu atbalsta ar valsts līdzekļiem.
J.K.: Un kā ir Ķīnā?
Z.M.: Mazliet citādāk. Ķīniešiem piemīt ļoti ass biznesa prāts – par gudru tiek uzskatīts cilvēks, kurš spēj nopelnīt daudz naudas. Māksliniekam nav atļauts atpalikt. Pat nezināms jauns mākslinieks var censties pārdot savus darbus par 80 000 dolāriem tāpēc vien, ka “viņš zīmē līdzīgi tam, kā to dara mans draugs”, kura darbs reiz ticis pārdots par 80 000. Katrs cenšas, kā var, apzinoties, ka pašlaik Ķīnas māksla ir modē, bet mode reiz mainīsies. Vēl viens joks par Ķīnas mākslas tirgu: ir tāds ļoti pazīstams mākslinieks Džans Sjaogans (Zhang Xiaogang). Uz Ķīnu atbrauc mākslas kolekcionārs no Vācijas, kurš, padzirdējis par mākslinieku, vārdā Džans Sjaoku (Zhang Xiao Ku), nopērk viņa darbu tikai tāpēc, ka viņa vārds skan līdzīgi kā “Džans Sjaogans”.
Ķīnas māksla ir ārkārtīgi multikulturāla, un te ir daudz grūtāk tikt skaidrībā par kritērijiem. Labo toni un pamatojumu nosaka galerijas. Tās arī rada paļāvību noteiktam māksliniekam – mēs varam būt droši, ka investējam perspektīvā “projektā”. Jo pircējs jau nepērk mākslu vien, bet stāstu un gabaliņu no mākslinieka. Piemēram, fotogrāfija, kur attēlota māja un lauks. Tai līdzi nāk stāsts, ka šī māja – brutāls piemērs – ir bērnunams AIDS slimniekiem un šis lauks ir vieta, kur viņi audzē kukurūzu, bet laukā ir apglabāti viņu ar AIDS mirušie vecāki… Tagad tu skatīsies citām acīm, vai ne? Man pašai patīk, ka darbi “atveras lēnām”. Man liekas, ka bieži vien skatītājam māksla ir vien tāds laika kavēklis un viņš nemaz necenšas iedziļināties mākslas darbā: “Ai, tur kaut kas ir uztaisīts!” Katrs ņem tik daudz, cik var paņemt.
J.K.: Tomēr tekstuālais aspekts nebūt nav pašsaprotama un nepieciešama mākslas darba sastāvdaļa, jo tam kā jau vizuālam fenomenam jāspēj vizuāli paust, ko tu vēlies ar to pateikt. Garie, skaidrojošie teksti reizēm ir tik nogurdinoši, un man gribas jautāt – kāpēc mākslinieks grib mani nogurdināt?
Z.M.: Protams, mācīties ir nogurdinoši! Es tev piekrītu. Bet es gribēju teikt ko citu – runa ir nevis par gariem tekstiem, bet par atslēgas vārdiem. Ja cilvēks man uzraksta garu mīlestības vēstuli, es nelasu vairāk par četrām rindiņām, jo man nav laika! Es godīgi viņam to pasaku. Taču ir miljons dažādu veidu, kā tu vari komunicēt. Ja rakstītais teksts tevi neapmierina, vari pāriet uz skaņu vai vibrāciju. Vai klasiskais Īva Kleina piemērs, liekot izstādes apmeklētājiem pēc atklāšanas čurāt zilu krāsu. Tagad gan šis pasākums izskatītos pēc tiesas prāvas. Tas pats sakāms par darbu izvietojuma principu izstādēs – vai tas spēj vilināt skatītāju iet tālāk.
Zane Mellupe. Māte. No sērijas “Atrastā ģimene”. 2008
J.K.: Runājot par Latviju, tu lieto “mēs” formu. Vai ir kāds īpašs veids, kā būt latvietei Ķīnā?
Z.M.: Nu, man nepatiktu visu laiku teikt “es, es, es”… (Smejas) Domāju, ka jā – saistu sevi ar Latviju. Latviešiem (patiesībā es domāju visus Latvijas iedzīvotājus) piemīt tāda kritiska attieksme un skeptiska domāšana. Varbūt tāpēc, ka cilvēki tika dzīti cauri komunisma ideoloģijai? Arī Ķīnai ir milzīga komunisma ideoloģijas pieredze, un tas, ka esmu no Latvijas, man palīdz Ķīnu saprast labāk.
Stingri ņemot, Ķīnā nav lielas starpības, vai es saku, ka esmu no Latvijas vai no valsts Ruararā. Patiesībā, man vairāk patiktu, ja es būtu no Ruararā valsts, jo tad es varētu stāstīt visu, kas ienāk prātā. Latvijas sakarā vairāk sanāk runāt par to, kas Latvija nav: nav katoļticīga valsts; nav valsts, kuras valsts valoda ir krievu valoda; nav valsts, kur visas sievietes ir iesaistītas prostitūcijas tīklā; nav valsts, kurā cilvēki masveidā mirst badā.
Jau ilgāku laiku mani saista viena ideja. Mums mākslas centrā dzima doma, ka nepieciešams radīt savu valsti un savu paviljonu World Expo izstādē. Izrādās, šādu mazu, pašradītu valstiņu pasaulē jau ir diezgan daudz! Mūsu valsts sauktos “Sešu republika”, un viss, kas pasaulē būtu mērāms šajā skaitliskajā izteiksmē, būtu mūsu valsts īpašums. Sešas karotes, seši krēsli, sestā diena… Ir bezgala interesanti pētīt valsts izveides nosacījumus – jāsacer vēsture, jāizdomā karogs, jāizvēlas iedzīvotāji, jānosaka soda mēri, jāraksturo nacionālās īpatnības, jāpanāk, ka kaimiņvalstis tevi atzīst. Ir dažādi paņēmieni, kā to izdarīt, piemēram, izveidojot uzreiz trīs valstis, kas savā starpā robežojas. Pašlaik darbā esam iesaistījuši pat juristus, kurus šī ideja aizrauj.
J.K.: Kārtējais prāta ceļojums. Un kā ir ar taviem ķīniešu pseidonīmiem?
Z.M.: Jā, bija tāds mākslas projekts: es sacerēju dažādus cilvēkus, viņu biogrāfijas, žanrus, kādā viņi strādā… bet par tiem tagad neko nestāstīšu! Nacionalitātes jautājums diemžēl vai par laimi – kā kuru reizi – ir aktuāls mākslas komercijas kontekstā. Protams, ir “formulas”, kuras ievērojot var diezgan labi realizēt mākslas darbus. Tu aptuveni zini, kas patīk pircējiem un ka tavam darbam jābūt “mazliet vairāk vai mazāk ķīniskam”, lai tas aizietu. Mums centrā ir darbi, ko mēs saucam par “piena govīm” – tie nomaksā īri –, un ir atkal darbi sev, kas ļauj attīstīt jaunus komunikācijas veidus.
J.K.: Kādas ir šo “piena govju” formulas?
Z.M.: Mūsu mākslas galeriju dienā apmeklē vidēji simt cilvēku, un, veicot diezgan vienkāršus novērojumus, samērā precīzi var pateikt, kas viņiem patīk un ko konkrētas cilvēku grupas būtu ar mieru pirkt. Piemēram, mājsaimnieču kategorijai piederas kaut kas mazliet ķīnisks, bet ne pārāk, pops vai kultūras revolūcijas interpretācijas. Protams, svarīga ir pati telpa – no vienām sienām var pārdot labāk nekā no citām. Tādi paši faktori ir apgaismojums un darbu izvietojums, tas, kā mēs ieejam galerijā un kā no tās izejam.
Ķīnas mākslas tirgus ir ļoti haotisks un, protams, dinamisks. Uz Ķīnu mākslas meklējumos dodas cilvēki no visām pasaules malām. Modes lieta! Ir, piemēram, tāda vieta Ķīnā, Šeņdžeņā (Shenzhen), kas saucas Dafen, kur strādā tūkstoš amatnieku – kā viņi sevi dēvē. Viņi to vien dara kā glezno Monas Lizas un citus Rietumu mākslas paraugus. Nu, kopē, citiem vārdiem. Darbus pārdod uz svara. Jāsaka, ka vairākums ķīniešu pret jauniem medijiem izturas diezgan vēsi un piesardzīgi. Joprojām augsti kotējas tradicionālā eļļas glezniecība, kaligrāfija un tušas zīmējumi.
Reiz mākslas centra rezidenču programmas ietvaros pie mums bija mākslinieks, kurš gribēja, lai viņa skulptūru cauršauj cilvēks, kas kādu ir nogalinājis. Es pieņēmu izaicinājumu un tādu cilvēku atradu – viņš bija šaušanas pasniedzējs. Nospēlēju spēli, sakot, ka pārstāvu uzņēmumu, kam svarīgi pārbaudīt, cik izturīgs ir izvēlētais materiāls. Cilvēks piekrita, nezinot, ka piedalās mākslas darba izveidē…
J.K.: Tev patīk fikcijas?
Z.M.: Jā, jā. Tās ir tas prāta ceļojums, kas mani saista.
J.K.: Ir autori, kas tevi iespaido?
Z.M.: Man ir nedaudz bail no citiem māksliniekiem, jo es nevēlos ietekmēties… Man tuvs varētu būt kara fotogrāfs Džeimss Načvejs (James Nachtwey) un Diāna Arbusa – viņas darbu patiesuma dēļ, vēl Ajs Veivejs (Ai Weiwei) un, protams, Sofija Kāla – viņai ir vienreizēji koncepti!
J.K.: Sarunā tu vairākkārt esi pieminējusi mākslas konceptuālo iedabu. Vai, tavuprāt, šie darbarīki, kas mākslinieku rīcībā nonāca, pateicoties konceptuālajai mākslai 60. gados, šodien ir mainījušies? Vai saskati kādu pēctecību?
Z.M.: Pēctecība? Tā mani neinteresē! Precīzāk, interesē, bet nav laika pētīt. Man būtisks ir pašas veikts atklājums, kas, iespējams, balstās ignorancē. Izgudrot jaunas lietas ir daudz labāk nekā lasīt instrukcijas. Un kas tad ir konceptuālā māksla? Man mamma stāstīja, ka kara laikā bērniem Latvijā mācīja cūkas saukt par trušiem – lai skolā neizpļāpātos, ka mājās ir cūkas un kāds neatbrauktu tām pakaļ. Lūk, konceptuālā māksla! Un citu cilvēku vērtējums lai paliek pašiem vērtētājiem. Ja cilvēki saka, ka tā nav māksla, tad es saku, ka viņi nezina, ko runā, – jo viņi ne tikai nespēj saskatīt, bet pat nevēlas mēģināt.
Entre gratte-ciel ultramodernes et Chine éternelle, Shanghaï est devenue la vitrine glamour du pays. Voici les dernières adresses d’une ville en perpétuelle évolution. Visite guidée.
Julie Desné, à Shanghaï
BALADE NOSTALGIQUE
Loin du tumulte des quartiers d’affaires de la métropole, les rues étroites de la concession française offrent une vraie sérénité pour qui veut bien s’y aventurer. Les retraités y cajolent leurs oiseaux en cage et tuent le temps autour d’une partie de mah-jong. Il suffit de pousser les portes.
Rien de mieux qu’un side-car pétaradant pour découvrir les concessions françaises et internationales du Shanghaï des ann»es 30. Les guides de Shangha! Sideways (150.2111.2451 ; www.shanghaisideways.com) ouvrent les portes de la ville, sur les traces des expatriés de l’époque, entre maisons bourgeoises et lilong (lotissements et ruelles de Shanghaï). Après ce tour de une «quatre heures (de 60 à 175 € pour deux), un bon thé avec un morceau de tarte au café Ginger, dans un bâtiment de 1933, au 299 Fuxing Lu (021.6433.9437 ; www.gingercorp.asia), seront les bienvenus. Un peu plus bas au 37, Shanghaï Trio (021.6433.8901 ; www.shanghaitrio.com) a installé son showroom. Besaces ou pochettes en tissu qui marient artisanat chinois et matières tendance donneront sans doute des idées de cadeaux. La poursuite du shopping se fait plus au sud, dans une des ruelles du 210 Taikang Lu, typiques de la concession française. Au numéro 5 de l’allée, Shangha! 2002 (021.5465.1580) propose des qipao (robes traditionnelles) remises au goût du jour. A quelques rues de là , une halte à la maison de thé Song Fang sur Yongjia Lu (021.6433.8283 ; www.songfangtea.com) permet de faire le tour de la Chine depuis sa théière. On peut poursuivre dans la rue d’à côté , à l’ombre des platanes de Shaoxing Lu. LaOld China Hand Reading Room,au 27 (021.6473.2526 ; www.han-yuan.com), offre une belle parenthèse pour consulter quelques livres sur le Shanghaï Art déco et les vestiges des concessions internationales.
Cette jeune Shanghaïenne pose dans un décor de cinéma pour son album de mariage. (Éric Martin/Le Figaro Magazine)
Mais pour vivre le Shanghaï rétro comme si vous y étiez, il faut s’échapper du centre et filer au studio de cinéma du Shanghaï Film Group (021.5760.0439), dans le district de Songjiang. Ici, un tireur de poussepousse attend à l’arrêt du tramway. Les fréquents tournages permettent de plonger un peu plus dans l’ambiance avec les costumes d’époque. Sur le chemin, on peut s’arrêter déjeuner dans la grande demeure qui abrite le Ye Old Station Restaurant (021.6427.2233). Deux anciens wagons en bois – dont un a vu voyager Song Qingling, la femme de Sun Yat-Sen – et plusieurs tables dans le jardin.
Pour prolonger ce voyage dans le temps, direction le Bund et ses façades du début du XXe siècle qui abritaient les banques. Derrière le numéro 6, les créateurs d’Annabel Lee (021.6320.0045 ; www.annabel-lee. com) ont installé une boutique, où l’on trouve de jolis pyjamas de soie aux boutons de jade et des écharpes en cachemire. Il suffit ensuite d’enjamber le pont métallique Waibaidu pour se retrouver au comptoir du Richards Old Bar (021.6324.6388, ext. 179) dans le Astor House Hotel qui, malgré son service désuet, n’en finit pas de se remémorer ses hôtes de marque, comme Charlie Chaplin ou Albert Einstein. De retour dans la concession française, on peut aller prendre l’ apéritif dans le superbe cadre du Yongfoo Elite (021.5466.2727 ; www.yongfooelite.com), ancienne résidence du consul britannique, ou au Sasha! s (021.6474.6628), autre belle demeure, juste avant d» aller déguster des mets shanghaïens dans l’ambiance très rétro du 1931, au 112 Maoming Lu(021.6472.5264). On peut terminer la soiré e dans un des fauteuils années 1930 duGlamour Bar (021.6329.3751 ; www.m-theglamourbar.com), au 6e étage du numéro 5 du Bund, avec vue sur le fleuve. Après une journée aussi chargé e, il ne reste plus qu’ à fouler les dalles noires laquées de l’hôtel Puli, au 1 ChangDe Lu (021.3203.9999) et de s’en remettre aux dragons de pierre qui gardent les portes.
Plongeon vertigineux dans le luxe du Grand Hyatt. Install! entre le 53e et le 87e étage de la tour Jin Mao, ce 5 étoiles accueille businessmen et touristes au cour du quartier financier de Pudong. Crédits photo : Le Figaro Magazine
BALADE GOURMANDE
Connue pour sa cuisine sucrée et riche en huile, Shanghaï est surtout le carrefour de toutes les cuisines de Chine, où chaque province représente une gastronomie à elle seule. Manger sur le pouce, dans une ambiance casual ou dans de grands restaurants, ici, tout est possible. Il suffit d’avoir assez d’appétit.
A Shanghaï, les papilles sont en éveil dès le matin. Petites galettes de blé, baozi (pains vapeur) ou raviolis, il n’y a pas d’heure pour se régaler. Dans le quartier de la vieille ville, il y a toujours la queue pour quelques xiaolongbao (bouchées à la viande, spécialité de Shanghaï) devant le stand de Nan Xiang Man Tou Dian, au 85 Yuyuan Lu (021.6355.4206). Si l’humeur n’est pas aux raviolis, il est toujours possible de se rabattre de l’autre côté du pont aux Neuf-Tournants, qui mène au jardin Yu, pour déguster un riz gluant savamment sucré et délicatement enveloppé dans une feuille de bambou à Ningbo Glutinous Rice Dumpling (021.6373.9458). Pas un grain de riz ne risque de tomber sur la manche !
Thomas Chabrières a fondé Shanghaï Sideways, qui propose la visite de la ville en side-car. Crédits photo : Le Figaro Magazine
Après ce premier en-cas matinal, il convient de pousser au sud pour s’abandonner aux nourritures de l’esprit avec le marché aux livres, aux abords du temple de Confucius sur Wenmiao Lu. Ici, les amoureux de papiers reliés auront de quoi laisser fureter leurs mains. Les nostalgiques pourront craquer pour les mini-albums de Tintin en chinois, du temps où les aventures du jeune reporter étaient interdites de cité en République populaire et publiées dans un format poche. Si les raviolis ne lassent pas, les meilleurs de la ville se dégustent chez Dintaifung (021.6385.8378; www.dintaifung.com.tw) dans le quartier de Xintiandi, sous l’œil rigolard de nombreuses stars taïwanaises et hongkongaises peintes au mur – et qui ont souvent dédicacé en personne leur visage. Dans un registre plus classique, Shanghai Uncle (021.6339.1977), à deux pas de la place du Peuple, au centre, propose un bon mélange de cuisine chinoise et occidentale dans un cadre rouge et or très couleur locale.
Pour une aventure culinaire plus populaire, le Bao Luo, sur Fumin Lu (021.5403.7239), est l’adresse idéale. Ouvert par un ancien vendeur de bicyclettes, l’endroit offre une cuisine savoureuse, réservant également des surprises pour les téméraires qui voudront se laisser tenter par un crapaud ou une anguille en sauce. Ceux qui refusent de manger de la viande pourront faire l’expérience surprenante de Gong De Lin (021.6327.0218), restaurant 100 % végétarien, qui se joue des saveurs en simulant celle de la chair, comme cette portion de tofu au goût de crevette. Le repas est aussi une autre façon de voyager, surtout en Chine, où chaque province représente à elle seule une gastronomie. Au Lost Heaven (021.6433.5126; www.lostheaven.com.cn) de Gaoyou Lu, les délices sucrés épicés de la cuisine méridionale du Yunnan se dégustent dans un décor très élégant tout en bois.
Mais la ville a aussi donné rendez-vous à des chefs étrangers étoilés. On peut ainsi goûter la cuisine de Jean-Georges Vongerichten, Jean Georges (021.6321.7733; www.threeonthebund.com), 20 Guangdong Lu. Et se laisser aller au plaisir d’une assiette 100 % chocolat, avec une vue majestueuse sur la rivière Huangpu dans un cadre au design rétro chic. Si l’envie d’un en-cas menace de réveiller les sens à une heure indue, un séjour au boutique-hôtel Xintiandi88 (021.5383.8833; www.88xintiandi.com), au cœur du quartier éponyme, s’impose ; il regorge de bars et de restaurants ouverts souvent tard.
Les galeries d’art – très courues – de Moganshan Lu sont installées dans d’anciens ateliers textiles. Crédits photo : Le Figaro Magazine
BALADE ARTY
Pékin lui vole souvent la vedette, mais Shanghaï n’a rien à envier à sa rivale septentrionale en matière d’art. Galeristes et créateurs ont jeté leur dévolu sur des décors postindustriels, et le futurisme s’invite dans de nouveaux lieux design.
La scène artistique shanghaïenne ne serait rien sans le n° 50 de Moganshan Lu. Dans ces anciens ateliers textiles reconvertis, les galeries les plus réputées de Shanghaï ont élu domicile, commeShanghART (021.6359.3923; www. shanghartgallery.com), tout au fond de l’allée. En retournant vers la rue, on peut monter dans un ascenseur aux allures de monte-charge pour voir, avec un peu de chance, les artistes d’Island6 (021.6227.7856; www. island6.org) à l’ouvrage. La galerie leur a réservé un espace pour travailler les grandes structures. A un quart d’heure de taxi, Ifa Gallery (021.6256.0835; www.ifa-gallery.com) s’est installée dans une vieille maison des douanes britanniques pour exposer des artistes de Shanghaï mais aussi du Vietnam. Au nord du Bund, 1933 (021.6501.1933; www.1933-shanghai.com) est le dernier endroit tendance pour faire des emplettes. Dans ces anciens abattoirs rénovés, il est possible de prendre un verre de vin, un café ou de déjeuner au Jade Garden (021.3377.9090), avant d’aller découvrir les créateurs du moment. A moins de préférer le cadre très rétro du musée des Beaux-Arts, sur Nanjing Xi Lu, pour déjeuner à la terrasse du Kathleen’s5 (021.6327.2221; www.kathleens5.com), avec vue sur la place du Peuple. Il suffit d’ailleurs de descendre dans le jardin juste en dessous pour se retrouver dans la boîte de verre du Moca -Museum of Contemporary Art – (021.6327.1282; www.mocashanghai.org). Pour le frisson architectural, il faut traverser la rivière Huangpu et s’envoler vers le 100e étage du World Financial Center. La skywalk (www.swfc-observatory.com) offre une vue vertigineuse. Un moment de détente pure est possible quelques étages plus bas, dans le plus haut spa du monde, au 85e étage del’hôtel Park Hyatt (021.6888.1234; www.shanghai.park.hyatt.com). On peut alors, en toute zénitude, retraverser la ville pour se rendre à Red Town, au 570, Huaihai Xi Lu. Dans ce quartier, qui abritait auparavant les entrepôts d’une aciérie, ont pris place de nombreuses galeries. Celle de Red Bridge (021.6280.1089; www. redbridge.com.cn) accueille des artistes chinois juste à côté de la grande pelouse où contempler des sculptures outdoor. On peut s’arrêter boire un thé vert et consulter des catalogues d’expositions au Café Dongchuang (021.6282.2295; www.eyelevel.com.cn) juste en face.
Avant de dîner, un détour par la galerie de Magda Danysz au Bund18 (021.6323.8099, ext. 3001; www.artatbund18.com) permet d’aller voir les coups de cœur de la galeriste parisienne installée depuis le mois de juin dans cet ancien siège de banque des années 1920. Un peu plus loin, au 3, le très chicWhampoa Club (021.6321.3737; www.threeonthebund.com), qui mêle design contemporain et esthétique chinoise, propose une cuisine cantonaise haut de gamme. Les amoureux de lignes épurées reprendront la route de la concession française pour se restaurer au Shintori, au 803 Julu Road (021.5404.5252; www.shintori.com.tw), où les sushis sont aussi délicats que le cadre de béton nu. Tard dans la nuit, on peut aller s’enivrer de musique électronique dans le décor industriel du MAO (Music Art Oasis) (139.0185.3963) au 46, Yueyang Lu. L’URBN Hotels (021.5153.4600; www.urbnhotels.com) offre alors une alternative design et écolo : c’est le seul établissement de Shanghaï à racheter ses émissions de CO2.
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Li Chevalier © Dr Li Chevalier
© Paulina Otylie Surys
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